Kitabı oxu: «Nuevas tendencias en dibujo»
EL CONTENIDO DE LA OBRA
Este libro trata de mostrar otras maneras de dibujar, plantea la representación gráfica como una acción e intermediación entre distintos géneros artísticos, con técnicas y procedimientos sorprendentes, cuestionando los límites del soporte, los materiales, la tridimensionalidad, y estableciendo otros marcos de referencia para los artistas amantes de la experimentación y de la exploración de nuevas fórmulas expresivas. Es una obra dedicada, especialmente, a creadores con ganas de investigar las posibilidades y las fronteras del dibujo contemporáneo. Un libro único en su género que recoge las principales tendencias del dibujo actual y las pone en práctica.
LOS LÍMITES DEL DIBUJO
El dibujo contemporáneo se enmarca en la enorme vitalidad de la expresión gráfica actual, una producción de imágenes que se originan en la línea para conquistar nuevas formas de comunicación. En este apartado analizamos cuáles son sus claves, qué rasgos distintivos convierten al dibujo contemporáneo en algo tan diferente de los dibujos de otras épocas.
EXPERIMENTANDO
Invitamos al artista a experimentar y a utilizar el dibujo como medio visual de exploración conceptual e indagar en esta habilidad fuera de los cánones tradicionales. Le proponemos aprender cada uno de los estilos o variantes representativas a través de la práctica, con sencillos ejercicios paso a paso que permiten descubrir los entresijos de cada técnica.
GALERIAS
Constituye una muestra de obras realizadas por diferentes artistas nacionales e internacionales, en las cuales han empleado las diversas técnicas expuestas y desarrolladas en los apartados anteriores. Pretendemos ofrecer un amplio abanico de ideas y posibilidades al lector.
CATÁLOGO DE GRÁFICOS
Reúne una pequeña muestra de recursos gráficos, para estimular e incentivar al artista a que investigue y se atreva a experimentar y desarrollar un lenguaje propio a partir del conocimiento de los materiales, la exploración del medio y la variación del trazo y de la mancha.
SUMARIO
Presentación
Una nueva concepción del dibujo
Objetivos y recursos del dibujo actual
LOS LÍMITES DEL DIBUJO
Materiales para el dibujo actual
Viejos y nuevos soportes
Los formatos del dibujo
Incorporación del volumen y de la textura
La experimentación del grafismo: trazos
Nuevas formas narrativas
GALERÍA: Estrategias para exhibir el dibujo
HACIA UNA NUEVA PLÁSTICA DE DIBUJO
Los primeros experimentos: cutting
Dibujo expresionista
Imágenes superpuestas
Los límites del dibujo
Ejercicio con trazo lineal minimalista
GALERÍA: El dibujo sensible
Dibujar en negativo: el trazo blanco
Experimentar la monotipia
El dibujo-objeto
Dibujo fotorrealista con bolígrafo
GALERÍA: Enfatizar el espacio vacío
El dibujo texturado
Incorporación del colage fotográfico
Dibujo con barniz: transparencias y brillos
Dripping con tinta y esmalte
Confeccionando un libro de artista
GALERÍA: Libros de artista
El dibujo tridimensional
Dibujo sobre soporte transparente
GALERÍA: La frontera entre el dibujo y la pintura
La técnica del fumage
GALERÍA: Labrado con fuego
La costura como signo gráfico
Formas orgánicas con tintas de colores
Dibujos primitivistas
Líneas simultáneas
GALERÍA: Explorando lenguajes
CATÁLOGO DE GRAFISMOS
El valor de la línea
Rotuladores y marcadores
Colores texturados
PRESENTACIÓN
Una de las tendencias más claras del arte contemporáneo es la renuncia del objeto, de la obra terminada, para dar mayor relevancia al proceso creativo, desplazando el énfasis en favor de la concepción. En otras palabras, lo que interesa es comprender cómo se ha formado la obra, cómo trabaja la mente del artista, las asociaciones visuales y los procesos mentales que maneja.
Este cambio de orientación en el arte contemporáneo, donde la ejecución de la obra ya no es tan importante y se presta mayor atención a la experimentación y a la comprensión el proceso creativo del artista, tiene como consecuencia la pérdida de protagonismo de la pintura, pues cada vez se halla menos presente en la escena actual. Mientras la relevancia de la pintura decae, el dibujo gana terreno: atrevido, sin normas ni fronteras, pretende salirse de los soportes y de los materiales tradicionales para fusionarse con el diseño, la arquitectura, los comics, la ilustración, el graffiti, el grabado, e incluso la propia pintura. A pesar de esta voluntad renovadora y transgresora, el dibujo esencial, realizado a lápiz sobre papel, se continúa practicando vigorosamente, sin prejuicios ni pudores de anacronismo, con una visión renovada, mucho más ambiciosa y atrevida. La antigua noción de dibujo como disciplina preparatoria para la pintura o la escultura hace tiempo que se abandonó. El dibujo se ha vuelto autónomo, se ha liberado de su destino como soporte de la pintura, y muestra una cara independiente. Este renacimiento es palpable en las exposiciones retrospectivas que recogen los principales museos del mundo.
Pero ¿a qué se debe esta nueva valoración del dibujo? ¿Qué impulsa a los artistas a abrazar este género renovado con tanta fuerza? La explicación se encuentra en que el dibujo es un género que permite una acción directa del lápiz sobre el papel, es el medio artístico más auténtico y espontáneo, el que tiene menos mediación entre la idea y la ejecución. Por lo tanto, muchos artistas lo perciben como una forma de expresión más íntima, adecuada para exponer sus sentimientos más profundos. Se sirven del dibujo para plantear ejercicios conceptuales y formalmente mixtos, híbridos, es decir, incorporando al soporte recursos y dinámicas artísticas propias de la pintura, de la escultura o del grabado. Este libro pretende reflexionar precisamente sobre estos aspectos y ofrecer al lector una mirada al dibujo contemporáneo como una disciplina capaz de proyectar una gran variedad de enfoques, distintas estrategias, a través de técnicas y procedimientos completamente actuales.
UNA NUEVA CONCEPCIÓN DEL DIBUJO
Además de ser un lenguaje universal que se aprende de manera intuitiva desde la infancia, el dibujo también es el modo en que el artista representa el mundo que lo rodea. Es el medio artístico más inmediato y también el más económico, ya que requiere pocos materiales para trabajar; es, en suma, la base de toda creación plástica, la obra primigenia y un campo de pruebas donde empezar a explorar los lenguajes de la representación artística. El dibujo permite, más que ninguna otra disciplina, el acceso directo al universo particular de cada artista, pues se convierte en esa suerte de laboratorio personal donde entrever el trabajo de la mente y su recorrido.
1. El dibujo actual admite todo tipo de texturas, cargas y materiales nuevos. La consecuencia de esto es que las fronteras entre dibujo y pintura son más difusas.
2. Una nueva concepción del dibujo requiere nuevos modos de exponer. Los enmarcados tradicionales con paspartú ceden su lugar a presentaciones en el interior de cajas o libros.
3. Cada dibujo es fruto de la mezcla de procedimientos distintos que se unen para lograr un efecto plástico estimulante.
REPLANTEAR EL USO DE MATERIALES
El dibujo tradicional se ha servido de los trazos, las líneas, el sombreado, los degradados y la monocromía como principal elemento distintivo; sin embargo, en la actualidad, las técnicas de pintar y de dibujar se confunden porque las herramientas son, en ocasiones, las mismas y porque existe una actitud menos convencional, más laxa, del creador. Las nuevas concepciones del dibujo contemporáneo requieren replantear el uso de materiales artísticos, que incluyen los pigmentos, las manchas o aplicaciones de pintura como recursos comunicativos así como la exploración de nuevas superficies y formatos.
RENACIMIENTO DEL DIBUJO
En los últimos años, el dibujo ha experimentado un auge sin precedentes en el mundo del arte. Ya no es una disciplina preparatoria para la pintura o la escultura, sino que se ha posicionado como disciplina artística independiente, y reaparece con fuerza, tanto en el mercado del arte como en los más prestigiosos festivales, bienales, museos y galerías del mundo. ¿A qué se debe este resurgimiento, esta nueva valoración? ¿Qué sensibilidad o planteamiento de nuestra época le ha llevado a beber en las fuentes olvidadas del dibujo? ¿Qué encuentran allí los artistas? La respuesta a todo esto es que el dibujo se ha instituido como herramienta de comunicación en el contexto del arte, de la arquitectura y de los diseñadores gráficos y de moda actuales fundamentado en su versatilidad, economía, riqueza semántica y transversalidad conceptual.
4. Los instrumentos de dibujo tradicionales tienen cabida en el dibujo contemporáneo, aunque adoptan otras funciones y se mezclan con algunos recursos más propios de la pintura.
UN LIBRO PARA COMPRENDER Y PRACTICAR
La presente obra propone un discurso abierto en el que se abordan las diferentes funciones e interpretaciones del dibujo en su representación más actual y contemporánea. Está dedicado a aquellos lectores para quienes el dibujo es una cuestión de complicidades, un vehículo para el diálogo, para seguir buscando el lugar del arte en estos tiempos de transformaciones y cambios. El libro obedece al deseo no solo de reflejar la pluralidad de opciones y actitudes, sino también las transformaciones que ha experimentado el dibujo en este periodo. En él se expone la nueva manera de concebirlo y se combina con ejercicios prácticos comentados paso a paso, para que el artista pueda experimentar distintas modalidades, recursos y revisar otras metodologías tradicionales de dibujo que siguen aún vigentes.
5. Dibujo realizado con papel desgarrado y encolado, manchas de acrílico, tinta china y trazos de grafito.
OBJETIVOS Y RECURSOS DEL DIBUJO ACTUAL
El dibujo contemporáneo es una disciplina capaz de proyectar una gran variedad de enfoques y estrategias mediante diversas técnicas y procedimientos completamente actuales. Se ha convertido, por derecho propio, en un género en sí mismo.
Frente a la institucionalización de discursos artísticos cada vez más endogámicos, el dibujo, se ha erigido entre los artistas emergentes como una de las vías más eficaces para desarrollar discursos personales. De las técnicas artísticas tradicionales, es la que tiene una visión más sintética y permite una actuación más directa y espontánea sobre el soporte; una acción con el lápiz sobre el papel, un corte, una incisión que queda marcada y que es un pensamiento de síntesis. Por lo tanto, el dibujo es el medio más directo entre la idea y la ejecución, si se compara con la pintura, más procesual, que se hace por capas que el artista va incorporando progresivamente.
1. El dibujo ha perdido su carácter artesanal y presenta un talante conceptual. La idea justifica los medios.
2. Se mezclan distintos procedimientos, sin ningún rubor, en busca de un efecto determinado.
INCORPORACIÓN DE NUEVAS TÉCNICAS
En las últimas décadas, a las técnicas tradicionales de dibujo se han incorporado otras nuevas procedentes del campo de la pintura. Así, los desgarros, las quemaduras, las transferencias, la papiroflexia y otros efectos plásticos sorprendentes cuestionan el formato y los límites del propio dibujo, que se vuelve más interdisciplinar. El dibujo actual se metamorfosea para dejar de constituir una sola técnica y convertirse en un híbrido que dialoga con otras disciplinas contemporáneas, generando a partir de esa confluencia nuevas formas de autoría, otros soportes y modos expresivos.
3. El dibujo actual metamorfosea y transforma las imágenes, reinterpreta el dibujo académico y lo fusiona con nuevos grafismos.
4. Se explora y dialoga con la forma. El pincel y las aguadas de pintura son una constante en esta disciplina.
5. Nota realizada sobre papel quemado con una vela. Reproduce un bosque que ha sufrido un incendio.
1. Los dibujos han dejado de ser esas formas planas que cuelgan de las paredes protegidas por un marco y un cristal.
TODO VALE EN EL DIBUJO
El dibujo posee la grandeza de la libertad, de la inmediatez de la expresión que solo los materiales sencillos pueden proporcionar. Autónomo, y liberado de su propio soporte, ahora se puede exhibir de mil y una maneras distintas: colgado de la pared, del techo, doblado sobre una mesa o grapado a una madera. Se impone una presentación más informal. No se trata solo de sorprender al espectador con el dibujo en sí mismo, también se persigue la originalidad en la forma de presentarlo, dando una enorme importancia a generar, mediante su exhibición pública, dispositivos visuales que trasciendan la mera contemplación. Por lo tanto, debemos acostumbrarnos a ver dibujos inmateriales, proyectados, arrugados y realizados con los más insólitos materiales o sobre soportes inverosímiles.
2. Se presentan en todo tipo de formatos. Esta caja de artista contiene cinco obras en su interior.
3. El libro es un soporte habitual entre los creadores contemporáneos, un espacio donde dar rienda suelta a la imaginación.
AMOR POR LO NO ACABADO
El modo en que nace la obra, su forma posible y su carácter procesual son hoy más importantes que su manifestación perfecta y acabada. Muchos dibujos muestran un carácter conscientemente abierto, inconcluso, para hacer partícipe al espectador de ese momento de construcción del lenguaje previo al modelo, a la norma o al estilo. La figuración académica cede su lugar a un dibujo en el que se mezclan e incluso se superponen estilos o lenguajes distintos sin ningún pudor, donde lo espontáneo y lo expresivo adquieren más valor que el trabajo artesanal del artista, priorizando la originalidad y la voluntad de trascender por encima de mimetizar un modelo real.
4. La necesidad de abstraerse del modelo real y la expresividad son dos de los principales alicientes del dibujo actual.
5. Los dibujos son muy sugerentes y juegan con lo impreciso, con lo inconcluso, dejando la obra abierta a la interpretación del espectador.
6. El uso del acetato a modo de soporte permite el encuentro con un lenguaje expresivo nuevo, que incorpora los efectos de luz y la translucidez en el dibujo.
LOS LÍMITES DEL DIBUJO
El dibujo es, indiscutiblemente, un medio que ha conseguido conquistar su propia autonomía entre las posibilidades elegidas por los artistas contemporáneos para mostrar su singularidad. Figurativo, abstracto, minimalista, tridimensional, sensorial, poético… El dibujo contemporáneo se enmarca en la enorme vitalidad de la expresión gráfica actual, una producción de imágenes que se originan en la línea para adueñarse de nuevas formas de comunicación. En este apartado indagamos sobre estos aspectos, analizando cuáles son las claves, los rasgos distintivos que convierten al dibujo contemporáneo en algo tan diferente de sus predecesores. Pretendemos acercar al lector la metodología del dibujo actual, hacerle reflexionar y mostrarle las diferentes capacidades de expresión plástica de este estilo a fin de que pueda utilizarlas como recurso para generar una obra única.
MATERIALES PARA EL DIBUJO ACTUAL
Hoy en día, el dibujo no se ciñe a una técnica gráfica basada en el uso de la línea, no es solo un conjunto de trazos realizados con carboncillo, cretas, grafito o sus derivados. Es mucho más que todo eso, hasta tal punto que, en numerosas ocasiones, las fronteras entre la pintura y la escultura se diluyen. Los nuevos materiales que han irrumpido en el ámbito del dibujo han transformado de tal manera su apariencia que le han concedido un carácter interdisciplinar.
1. Rostro de figura realizado con óleo y barniz sobre acetato. Los límites con la pintura son muy difusos.
2. El dibujo actual se caracteriza por la mezcla de procedimientos, e incorpora incluso algunos que son más propios de la pintura.
3. La mezcla de sustancias en apariencia incompatibles, como la tinta china, el barniz y el pigmento, es la base de muchos trabajos.
4. La tinta y el barniz se repelen mutuamente y provocan este interesante efecto que puede incorporarse en los dibujos.
LOS LÍMITES DEL DIBUJO
Las fronteras entre el dibujo y la pintura siempre habían estado bien definidas; sin embargo, al dibujo actual, aunque se le añada óleo, acrílico o cualquier otro procedimiento pictórico, hay que seguir considerándolo un dibujo. ¿Entonces dónde están los límites? Lo que todavía distingue al dibujo de la pintura es que sugiere un proceso distinto y conserva un carácter experimental y menos elaborado, con soportes más endebles.
5. Los materiales efímeros se incorporan al dibujo adheridos con colas en el soporte. Aportan variedad gráfica y textura.
6. Dibujo en un cuaderno realizado con tinta china negra, pasta de modelado y materiales efímeros como café molido y hojas secas.
7. Sobre una base realizada con tintas anilinas se extienden las pinceladas con un pincel cargado de lejía para blanquear los grafismos que describen los árboles.
SUSTANCIAS INCOMPATIBLES Y MATERIALES EFÍMEROS
El dibujo actual dista mucho de lo racional en el mundo del arte y es la antítesis de la buena praxis, en contra de la preservación del buen hacer del oficio. Incorpora algunas técnicas pictóricas en su representación, que se mezclan de manera poco cuidadosa, sin esmero, incluso a pesar de que se trate de dos sustancias incompatibles, con el único fin de conseguir una determinada textura o efecto. Al artista no le preocupa si su dibujo va a mostrar señales de degradación con el paso del tiempo, le importa el ahora. Por esta razón, muchos soportes incorporan materiales perecederos, como paja, hierbas, cenizas, o sustancias efímeras. En el dibujo contemporáneo el fin justifica los medios.
VIEJOS Y NUEVOS SOPORTES
El soporte físico del dibujo más utilizado sigue siendo el papel o el cartón, aunque la mayor variedad de papeles fabricados de colores y texturas distintas que hay en el mercado ofrece grandes posibilidades al artista actual. También han irrumpido con fuerza otros soportes minoritarios y menos tradicionales como el metal, el acetato, el papel vegetal, de lija, de periódico, fotográfico y las maderas. Cada uno de ellos aporta sus características particulares en cuanto a rugosidad y absorción, que son las que dan una apariencia distintiva a la obra final.
1. Conviene tener siempre disponible un amplio abanico de papeles de grosor, textura y colores distintos para poder experimentar y elegir el más adecuado en cada caso.
2. El papel holandés o vegetal es un recurso habitual debido a su traslucidez y a su facilidad para alabearse cuando se moja.
BUSCANDO EL SOPORTE POCO APROPIADO
Muchos artistas ya no recurren a los papeles gruesos y esponjados para trabajar con aguada; en su lugar, utilizan papeles extremadamente finos o fáciles de deformar como el papel vegetal, que se alabea con facilidad cuando se humedece. Otros soportes alternativos son los demasiado texturados, los papeles tratados con aceites o barnices o incluso los soportes de acetato o poliuretano, que ofrece en la oportunidad de conseguir una obra translúcida que puede contemplarse por las dos caras.
3. El papel vegetal es un soporte poco adecuado para pintar con aguadas, produce arrugas y se deforma bruscamente, pero esto es justo lo que resulta interesante a muchos creadores actuales.
CARÁCTER PROCESUAL DEL DIBUJO
El papel de dibujo ha perdido su consideración casi sagrada de antaño, y los dibujos ya no tienen la pulcritud del dibujo académico. Todo lo contrario, el artista no se preocupa por trabajar con esmero, ocultando y borrando con cuidado los errores que aparecen en el transcurso de la realización de la obra, evitando hacer arrugas en el soporte. Su objetivo no es solo ofrecer un resultado final satisfactorio sino también dejar trazas visibles de su proceso de creación a través de manchurrones, dobleces, roturas y acabados poco pulidos.
4. No hay que conformarse con los papeles que se sirven en el mercado. Podemos fabricar nuestros propios soportes con collage y tratando el papel con barnices o aceites.
5. Un simple papel de periódico doblado puede convertirse en un excelente soporte como el aquí tratado con gesso, barniz y trazos de lápices de cera blanca y azul.
6. El acetato es un soporte muy recurrente. Algunos artistas aprisionan el dibujo; entre dos láminas pegadas. Este ha sido realizado con manchas diluidas con barniz.
LOS FORMATOS DEL DIBUJO
El dibujo se ha vuelto autónomo e independiente, se ha liberado de su soporte, desbordando los límites del papel, que ya no lo aprisiona. Por otro lado, el enmarcado tradicional realizado con marco de madera, paspartú y cristal queda relegado a un segundo término y surgen nuevos formatos que intervienen de manera determinante en el proceso de elaboración del dibujo. Tradicionalmente, el enmarcado se adaptaba a la obra final o dibujo terminado, hoy en día sucede al revés, la forma en que se exhibirá la obra finalizada puede condicionar el tamaño, el soporte e incluso el proceso de dibujo. Veamos algunos ejemplos.
LÍNEAS QUE DESBORDAN EL SOPORTE
En el mundo real, la línea como elemento contenedor y limitador no existe: los objetos y la naturaleza no se encuentran enmarcados. El artista, consciente de que este efecto es una elaboración intelectual, también trata de representarlo en el dibujo. De este modo, la obra ya no queda encerrada en un trozo de papel o los límites del soporte, no hay barreras ni fronteras que delimiten el espacio del dibujo. Las líneas y los trazos se escapan del soporte e invaden los límites inmediatos del dibujo, bien sea la mesa del artista o la pared contigua donde se exhibe.
1. Los límites del soporte ya no son los límites del dibujo. Los trazos se extienden invadiendo parte de la pared donde se exhibe.
2. Dibujo sobre papel realizado con anilinas y trazos de crayón negro. La originalidad del formato radica en que se presenta encerrado en el interior de una caja de metacrilato.
3. Dibujo realizado sobre cuatro bandas de papel dispuestas formando acordeón. No necesita enmarcado, se coloca sobre una peana o mesa como si fuera una escultura.
NUEVOS MARCOS EXPOSITIVOS
Esta nueva concepción del dibujo obliga al artista a encontrar nuevas formas de exponerlo, de mostrarlo. Ya no basta con recurrir al marco tradicional con paspartú o cristal. El dibujo puede adoptar volumen, el soporte puede doblarse presentando formas volumétricas, adaptarse a nuevos contenedores como botellas, cajas de metacrilato o exhibirse doblado en forma de acordeón, lo cual permite crear sombras y variaciones lumínicas sobre la superficie del papel. También ha adquirido una gran popularidad el formato libro, un derivado del libro de artista y presentaciones tan informales como prescindir de cualquier enmarcado.
4. Los marcos tradicionales se componen de un marco de madera que protege la imagen con paspartú y un cristal.
5. Estos dibujos se exhiben en el interior de cuatro botellas de metacrilato.
Son un formato muy original y que determina la forma y el tamaño del dibujo.
6. Ya no es necesario el enmarcado. Los dibujos se cuelgan de los muros de la sala de exposiciones con agujas, chinchetas e incluso cintas adhesivas.
INCORPORACIÓN DEL VOLUMEN Y DE LA TEXTURA
Tradicionalmente, se tendía a pensar que el dibujo había que realizarlo sobre un soporte plano y bidimensional, pero el dibujante actual busca nuevos estímulos, añadir nuevas variantes en la representación como la incorporación de texturas pictóricas, arrugas y dobleces sobre el soporte. La función de tales texturas es aportar a la obra efectos de relieve y sombra, hacerla más palpable, como si con ello el artista tratara de desafiar el sentido común.
1. Para trabajar con texturas conviene primero investigar. Humedecer y arrugar diferentes papeles para ver cómo responden, qué texturas son capaces de ofrecer.
AGREGAR MATERIALES Y CARGAS
Para recrear la textura de un dibujo se añaden a este sustancias o imprimaciones que alteran la superficie del papel para conseguir efecto de relieve. Se prepara el soporte con pasta de modelado acrílica, gesso o se añaden cargas: arena, carborundo, piedra pómez o ceniza, mezcladas con cola o solución adhesiva. Cuando se seca y se endurece ofrece un marcado efecto de relieve que puede trabajarse con técnicas de frotación como cretas, pasteles o carbón, o bien colorearse con aguadas de tinta, acuarela u otros medios. Sobre esta textura abrasiva los trazos son entrecortados y resulta más complicado trabajar, pero el resultado es sorprendente.
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