Kitabı oxu: «Tratamiento de textos para contenidos editoriales. ARGN0210»

Capítulo 1Libro de estilo de productos editoriales
1.Introducción

Toda empresa o institución cuya actividad principal, o eventual, tenga una producción editorial activa debe atenerse a unas pautas establecidas para la elaboración de sus publicaciones. Sobre todo, aquellas entidades enmarcadas dentro del ámbito de la comunicación, como la prensa periódica, las emisoras de radio o las cadenas de televisión. Dichas pautas, o normas, permiten que el trabajo publicado sea coherente en el contenido, cohesivo en la forma y unitario en su globalidad.

Los elementos que intervienen en la unificación del trabajo editorial son de carácter lingüístico, de estilo, político o ideológico, técnico y estético. Cada uno de estos elementos, aplicados de forma rigurosa, conformará la identidad de la empresa.

El libro de estilo contiene estas pautas, que aseguran una uniformidad en la publicación, eliminando las dudas y/o errores en la aplicación del lenguaje y reforzando la integridad del proyecto editorial.

2.Definición del libro de estilo. Funcionalidad y objetivos

El libro o manual de estilo es un instrumento imprescindible en toda publicación periódica. El objetivo de esta herramienta consiste en garantizar un uso correcto de la lengua y una coherencia en términos estilísticos, dando lugar a un producto editorial eficaz y uniforme.

El libro de estilo contiene una serie de normas relativas al lenguaje que responden a pautas establecidas por la RAE (Real Academia Española):

Normas ortográficas sobre grafías, acentuación y puntuación.

Normas sintácticas sobre la construcción de oraciones, el régimen de formas verbales, la concordancia, el uso de locuciones, etc.

Normas lexicosemánticas que corrigen las impropiedades léxicas y orientan sobre el uso de extranjerismos y neologismos.

Sabía que...

La primera recopilación de normas sobre el lenguaje fue elaborada por el gramático Marcus Valerius Probus y data del siglo III d.C. Se trata del Appendix Probi, (Apéndice de Probus), una enumeración de errores lingüísticos que pretendía salvar la integridad del latín clásico frente al latín vulgar. Para ello, el autor utilizó el modelo “A non B”: “calida non calda, solea non solia, auctor non autor, tabula non tabla, etc.”.

Otras normas contenidas en estos manuales de estilo son:

Normas ortotipográficas sobre el uso de la letra negrita, la itálica, las comillas, la versalita, el guión, la raya, el paréntesis, etc.

Normas estéticas sobre la jerarquía de los titulares, el tipo de letra, las viñetas, el color, el interlineado, las imágenes, etc.

Normas deontológicas sobre la ideología y los principios éticos que rigen la publicación.

Normas relativas a la pragmática, es decir, atendiendo al contexto y al tipo de público al que va dirigido el trabajo.

Todos estos preceptos, recogidos en el libro de estilo, garantizan la homogeneidad de la publicación y configuran la identidad de la empresa.

Actividades

1.¿Para qué sirve un libro de estilo? ¿Qué normas contiene relativas al lenguaje? ¿Contiene más normas? En caso afirmativo, ¿cuáles son?

3.Plantillas en los libros de estilo

El libro de estilo ofrece plantillas predefinidas destinadas a que el trabajo se realice de forma rigurosa, a la vez que facilita la labor del trabajador. En programas de diseño/maquetación, como Adobe InDesign, las plantillas se configuran en las páginas maestras. Estas contienen los elementos fijos de la publicación que no deben modificarse en las páginas del documento. El número de páginas maestras de un trabajo depende de la envergadura de ese proyecto, así como de la pericia del diseñador.

3.1.Convenciones

La plantilla se define como un patrón único, al servicio de la publicación, cuyo cometido es organizar los elementos que intervienen en una composición con carácter periódico. Estos elementos se concretan en archivos con herramientas que configuran la estructura y el diseño de la página. Así, con el documento ya configurado, se garantiza la coherencia y el equilibrio de libros, periódicos, revistas, etc., otorgándoles una uniformidad inalterable, unitaria y, sobre todo, reconocible para el fiel usuario o el potencial consumidor. La plantilla, por tanto, proporciona un estilo propio en todas las páginas de cada edición de un determinado producto editorial.

Importante

Toda publicación impresa a dos caras debe componer su plantilla en páginas enfrentadas (u opuestas), así se puede visualizar la composición en su conjunto. Estéticamente, las dos páginas enfrentadas conforman un único espacio gráfico.

Los elementos de estilo que deben describirse en una plantilla tipo son los siguientes:

Retícula del documento: formato (tamaño), número de páginas (siempre múltiplo de 4), márgenes, ubicación y tamaño de las cajas de texto y de imagen, número y medida de las columnas, tamaño del medianil (el espacio que hay entre las columnas), numeración de páginas y sangrado.

Cubierta: composición e información de la cubierta, las solapas (si las hay) y el lomo.

Elementos internos: pautas para las secciones, entradillas, encabezados, notas al pie, notas al margen, notas al final del documento, citas, referencias bibliográficas, índices o sumarios, glosarios, apéndices y anexos. También se especificaría en este apartado la ficha editorial (datos de la publicación), y el staff (cargos y personal que ha trabajado en la publicación).

Macrotipografía: tipografía corporativa, estilo, color y cuerpo de titulares, subtítulos, texto y leyenda de las imágenes.

Microtipografía: diagramación del texto, sangrías, espacios antes y después del párrafo, interlineado, tracking (espacio entre letras), kerning (espacio entre determinados pares de letras) y justificación del texto.

Ortotipografía: uso de negritas, itálicas, mayúsculas, versalitas, comillas, siglas, acrónimos, la raya, el guión, uso de abreviaturas, signos y símbolos; tratamiento de extranjerismos y latinismos.

Ortografía: aclaración de errores ortográficos y morfosintácticos más comunes (la tilde en los monosílabos, la tilde diacrítica, la diferencia entre por qué, porque, porqué y por que, uso de que, cual, quien, cuanto, cuando, donde y como con y sin acento, el “dequeísmo” por exceso y por defecto, el anacoluto o falta de concordancia, etc.).

En los software de diseño y maquetación, como Adobe InDesign, las plantillas se realizan haciendo uso de las páginas maestras.

Estas páginas maestras contienen los elementos que se repiten en todas las ediciones de la publicación. En una revista, por ejemplo, se diseñará una página maestra para la composición de la portada, otra para el sumario o el índice, otra para cada sección, etc. Todos los elementos contenidos en ellas no pueden editarse por defecto en el resto de las páginas, aunque sí se pueden modificar utilizando un atajo de teclado: [control+shift] en Windows o [comando+ shift] en Mac.

Interfaz de página maestra y páginas enfrentadas en Adobe InDesign CS3

Actividades

2.¿Cuáles son los elementos internos que se describen en una plantilla tipo? ¿Qué variables determinan la macro y la microtipografía de una plantilla tipo?

3.2.Categorías

Las plantillas tipo, vistas anteriormente, pueden sufrir variaciones cuando la publicación se diversifica, dando lugar a trabajos editoriales que hay que clasificar por categorías. Se trata de una plantilla base con ramificaciones: la estructura del molde permanece, pero determinadas pautas cambian para adaptarse a las exigencias de cada rama editorial.

Por ejemplo, una empresa de distribución de material de oficina que tiene varias publicaciones como:

Catálogo de productos.

Revista semestral.

Memoria anual.

Los tres productos editoriales tendrán una plantilla común en cuanto a la cubierta, elementos internos, ortografía y ortotipografía, pero la macro y la microtipografía variarán en función de las características de cada publicación. Esto es debido a la función de cada producto, ya que no es lo mismo maquetar una revista con entrevistas (a los franquiciados, por ejemplo), reportajes de oficinas nuevas o noticias relativas al sector, etc., que hacer la maquetación de una memoria anual, cuya estética será más solemne, con más gráficos de ventas o de ganancias, etc. Y estos dos productos también diferirán en la composición del catálogo del material: mucho más aglomerado, con más imágenes, con textos descriptivos de cuerpo pequeño, etc.

Por tanto, dentro de la plantilla tipo de esta empresa, se establecerán tres categorías: catálogo, revista y memoria.

También se pueden ver categorías de plantillas en una editorial con distintas colecciones, por ejemplo, novela, poesía y cuento infantil. Obviamente, el formato de las publicaciones puede coincidir pero el tratamiento del texto cambiará de una forma sustancial: tipografías con más cuerpo en los cuentos, disposición versal en la poesía y texto continuo para la novela. Así pues, cada disciplina literaria se correspondería con una categoría de plantilla.

4.Hojas de estilo: objetivos y creación de una sistemática de trabajo

Las hojas de estilo pueden considerarse una rama dentro de las plantillas de estilo. En ellas, se definen determinadas características del documento, como los estilos de párrafo, de carácter, de objeto, de celda y de tabla. También, las muestras de color, el modo (RGB, CMYK, PANTONE) y los matices.

Interfaz de los estilos de párrafo en Adobe InDesign CS3

4.1.Utilización de hojas de estilo

Cuando se aborda un trabajo editorial periódico o continuo, es conveniente planificarlo de forma que no se produzcan variaciones a lo largo de las sucesivas publicaciones. Para ello, existen las herramientas de estilo que, una vez definidas, se aplican a los textos o a los objetos con un solo clic.

En el estilo de párrafo, por ejemplo, se fijan las características que debe tener el cuerpo del texto: la tipografía, el tamaño, el color, el peso, la justificación, la separación de sílabas, la sangría, etc.

El estilo de carácter, por otra parte, suele utilizarse vinculado a un estilo de párrafo, de forma que comparte las características de ese estilo pero se le puede asignar una pauta distinta, como la negrita, la itálica, el color, etc.

Sabía que...

Se denomina “estilo anidado” al estilo de carácter vinculado a un estilo de párrafo. Al asignarle a un carácter una pauta nueva no contemplada en el estilo de párrafo (negrita, cursiva, otro color, versales, etc.), esa nueva pauta debe hacerse con un estilo anidado, en caso contrario, junto al estilo de párrafo aparecerá el signo “+” como muestra de error.

Interfaz de las características del Estilo de párrafo en Adobe InDesign CS3

Aplicación práctica

Deténgase un momento y observe cuántos estilos de títulos o encabezados se utilizan, hasta ahora, en este manual que tiene entre las manos. Una vez localizados, anote las características de cada uno de ellos.

SOLUCIÓN

Titular de 1º nivel (Capítulo 1): tipografía Futura Md BT, 24 puntos, negrita, cursiva, versales, justificado, interlineado 16 puntos, espacio antes y después de 2,85 puntos, tabulación 1,2 cm.

Titular de 2º nivel (1. Introducción): tipografía Futura Md BT, 14 puntos, negrita, versales, filete inferior, alineación izquierda, interlineado 14 puntos, espacio antes 42,5 puntos, espacio después 25,35 puntos, tabulación 1,2 cm, sangría francesa 0,7 cm.

Titular de 3º nivel (3.1. Convenciones): tipografía Futura Md BT, versales, 13 puntos, negrita, justificado, interlineado sencillo, espacio antes 22,7 puntos, espacio después 8,5 puntos, tabulación 1,1 cm, sangría francesa 1,1 cm.

Titular de recursos (Sabía que...) y actividades: tipografía mystical, minúsculas, 18 puntos, justificada, espacio antes 28,35 pt., espacio después 7,1 pt.

En cuanto a los objetos, también se les puede aplicar unas características concretas. Por ejemplo, el grosor y color del contorno o del relleno, el tamaño, la forma, etc.

Interfaz de las características del Estilo de objeto en Adobe InDesign CS3

Los estilos pueden intercambiarse de un documento a otro, haciendo uso de la herramienta Cargar estilo.

Otra herramienta, que no forma parte de la hoja de estilo, sino que existe como archivo independiente, es la Biblioteca. En ella, se almacenan elementos de uso reiterado como los logotipos, adornos o ítems recurrentes, incluso cajas de texto predeterminadas.

Interfaz del archivo de Biblioteca en Adobe InDesign CS3

Para usar los elementos de la Biblioteca, basta con arrastrarlos dentro del documento. Pero si lo que se quiere en situar ese elemento de la Biblioteca en una ubicación concreta, hay que situar el cursor en ese emplazamiento y, con el objeto seleccionado, hacer clic en Colocar elemento.

4.2.Hojas de estilo en cascada (CSS)

Las hojas de estilo en cascada (CSS) se utilizan en el entorno web. Se trata de una sintaxis que se incluye dentro del lenguaje html y que permite la definición de muchos parámetros de un sitio web: desde los estilos de párrafo, carácter, objeto, etc., hasta la ubicación exacta de determinados elementos; desde una web en su totalidad hasta un fragmento de la página. Estas pautas de estilo, en el entorno web, se denominan reglas.

Cada regla CSS está compuesta por tres ítems: selector, propiedad y valor. El selector es el nombre o título del estilo y se representa con una hache “h” (del inglés heading, encabezado), la propiedad es la variable que va a definirse (como el color o el cuerpo del texto), y el valor especifica las características de esa variable. Estos tres ítems se configuran mediante la siguiente estructura:

selector {propiedad: valor;}

Por ejemplo, la regla siguiente da la orden de que un ítem marcado con h1 tenga un cuerpo de 12 puntos:

h1 { font-size: 12pt; }

Una regla puede contener varios selectores a los que se les aplica varias propiedades y valores. La siguiente regla da la orden de que esos cuatro selectores lleven una fuente de estilo normal y esta sea de color rojo:

h1, h2, h3, h4 { font-weight: normal; color: red; }

Estas reglas pueden aplicarse en un sitio web, mediante un archivo externo y en un elemento.

En el sitio web, dentro del código html, la regla CSS debe situarse en la cabecera (head) y, dentro de esta, en la etiqueta de estilo (style):

<head>

<title> título del estilo CSS</title>

<style type=”text/css”>

h1, h2, h3 { font-weight: normal; font-size: 12pt; color: red; }

</style>

</head>

Cuando se aplica el estilo desde un archivo externo, el procedimiento es igual que en un sitio web pero hay que indicar dónde está ubicado ese archivo .css mediante la etiqueta href:

<head>

<title> título del estilo CSS </title>

<link rel=”stylesheet” href=”estilo.css” type=”text/css” />

</head>

Al aplicar el estilo a un elemento, la sintaxis cambia para adecuarse al lenguaje (x)html: la regla CSS se distingue mediante comillas y se sitúa dentro de la etiqueta style.

Importante

La ventaja más interesante de los estilos CSS es que, si se altera alguno de sus atributos, este cambio se refleja automáticamente en todas las páginas que contienen este estilo, sin necesidad de ir haciendo cambios página por página. Esta aplicación ahorra tiempo a la vez que permite la continuidad y la coherencia de todos los elementos de un sitio web.

Existen muchos más parámetros implicados en la definición de los estilos CSS, pero habría que entrar en el ámbito de la programación con multitud de ramificaciones técnicas. Se considera, por tanto, que lo expuesto anteriormente sirve para comprender el funcionamiento de los estilos en cascada (CSS).

Actividades

3.¿Cuáles son las variables que intervienen en una regla? Defina esas variables.

5.Normas de utilización de elementos básicos de diseño: punto, línea y plano

En cualquier composición gráfica existen tres elementos básicos que influyen en el aspecto estético y contribuyen a dar equilibrio o a desestabilizar esa composición. Estos tres elementos básicos de composición son el punto, la línea y el plano. Otros elementos que también influyen en el diseño del espacio gráfico son la textura, el color, la trama, la forma, etc., aunque en el presente manual solo se estudiarán, como ya se ha apuntado, el punto, la línea y el plano.

5.1.El punto

El punto es el signo más sencillo que puede formar parte de una imagen y tiene una dimensión variable. El punto indica posición y, al mismo tiempo, posee cualidades potenciales de expansión y contracción, actuando sobre el entorno circundante.

Si existen dos puntos se produce un planteamiento de medida y también se intuye una dirección implícita. Se genera entre ambos puntos una relación de tensión y energía que afecta directamente al espacio intersticial entre ellos, es decir, al espacio intermedio.

Al usar los puntos libremente, se crean entre ellos una serie de tensiones y energías que activan y alteran el área en la que se encuentran. Todo esto se incrementa si los puntos que se introducen tienen variedad de tamaño.

El punto, como marca visiblemente inscrita, tiene una gran fuerza de atracción sobre la mirada. Su situación dentro de un encuadre crea unas relaciones de composición perceptibles. Si el punto se sitúa en el centro del encuadre se establece una relación de equilibrio. Cuando el punto se desplaza del centro hacia cualquier otro lugar del encuadre, surge un desequilibrio, una fuerza de inestabilidad.

La aparición de un segundo punto aumenta la complejidad de estas relaciones. Las influencias se provocan entre los dos puntos y los límites del encuadre, pero también entre los dos puntos entre sí. Los puntos pueden establecer pautas al construir agrupaciones semejantes. Una secuencia regular de puntos determina un esquema de composición, un patrón. Es una manera de organizar la imagen 1.

Cuando aparecen puntos relativamente cercanos se tiende a verlos agrupados, formando figuras geométricas.

5.2.La línea

Al igual que ocurre con el punto, al hablar de la línea, no solo se hace en referencia a la línea que delimita un contorno, también se habla de las líneas internas que construyen el espacio gráfico, ya sea un libro, una página de una revista, etc.

Los elementos que configuran cualquier superficie guían la mirada del espectador, que va siguiendo unas líneas imaginarias formadas en el diseño. Estas líneas se denominan líneas de fuerza.

Aunque es posible que haya alguna línea que predomine sobre otra, lo normal es que existan varias que tiendan a equilibrarse mutuamente.

También como el punto, la línea señala posición y dirección. A su vez, la línea posee energía interna que avanza longitudinalmente intensificándose en sus extremos, además posee una velocidad implícita que modifica y determina el espacio inmediato.

En determinados contextos, la línea tiene la capacidad de expresar emociones: una línea recta, por ejemplo, se asocia con la fuerza y la estabilidad, una línea en zigzag con la excitación, aunque en todo caso, se trata de apreciaciones subjetivas. Las líneas diagonales poseen una gran fuerza direccional, aportan dinamismo a la composición.

La línea es un elemento polivalente que satisface diversas funciones plásticas en la composición. Según Justo Villafañe (2000), la línea crea vectores de dirección, aporta profundidad a la composición, separa planos, organiza el espacio, da volumen a los objetos bidimensionales y representa tanto el contorno como la estructura del objeto (pictograma).

5.3.El plano

Según Wucius Wong (2007), el recorrido de una línea tras otra puede generar un plano, ya que tiene largo y ancho, posición y dirección, y define los contornos del volumen. El plano, además, permite fragmentar y dividir el espacio, de esta forma se pueden delimitar y clasificar las diferentes zonas de la composición.

Existen unas normas de composición que hay que tener en cuenta a la hora de proyectar un diseño editorial. Estas pautas tienen que ver con el contraste, el equilibrio, la proporción, el ritmo, la armonía, el movimiento y la unidad.

Con el objetivo de enfatizar unos elementos o ideas más que otros, se emplea el principio de contraste, que se utiliza como una herramienta poderosa para el diseñador por intensificar el significado por comparación con el resto de elementos presentes. Puede aplicarse el contraste aplicando extremos de tamaño, forma, tono, textura y dirección.

El principio de equilibrio existe cuando los elementos están compuestos con un sentido de contrapeso, es decir, los pesos visuales de los elementos se contrarrestan. Cuando todos los elementos existen a la misma distancia el equilibrio es simétrico, en caso contrario, es asimétrico. La principal diferencia entre ambos tipos de equilibrio está en el uso del espacio en blanco.

El principio de proporción es la razón de relación entre un elemento compositivo y otro y de los distintos elementos con el diseño, entendido como un todo.

Nota

La proporción áurea y el rectángulo áureo han sido utilizados como método compositivo a lo largo de la historia del arte, tanto en pintura, como en escultura y arquitectura. Los rectángulos áureos son aquellos cuyos lados están en proporción áurea, es decir, el cociente entre su lado mayor y su lado menor es 1,618...

El principio de ritmo es, según el diccionario de la Real Academia Española, el “orden acompasado en la sucesión o acaecimiento de las cosas”. Esto significa que se debe utilizar el espacio y el tiempo. El ritmo se consigue mediante la repetición ordenada de los elementos, ya sean puntos, líneas, formas, etc.

El principio de armonía es la combinación y consonancia entre elementos semejantes o acordes entre sí.

El principio de movimiento está implícito en toda composición. La propia acción de leer implica el movimiento del ojo. La dirección intrínseca a este movimiento, llamado sacádico, es de izquierda a derecha y de arriba abajo. El diseñador debe atender a este principio en su composición para que el mensaje llegue al receptor de un modo óptimo.

El principio de unidad aporta uniformidad a la composición mediante la distribución y organización estética de los elementos del diseño. La estabilidad y la claridad no pueden existir sin la unidad, que registra una visión general del diseño.

Ejemplo de composición de una revista donde impera el principio de unidad

Actividades

4.¿Cuáles son las funciones plásticas de la línea según Justo Villafañe? Enumere también las capacidades expresivas de la línea recta, en zigzag y en diagonal.

6.Los textos: tipografías, color, tamaños y otros. Convenciones y normas de uso

En este apartado se estudiará la terminología y los conceptos básicos de la tipografía, los estilos, la morfología de la letra, las familias tipográficas, las normas de uso en la composición de textos, los distintos formatos digitales y su aplicación en las hojas de estilo.

6.1.Tipografía. Terminología básica

El término tipografía procede del griego tipos, golpe o huella, y grafo, escribir. Los tipos eran piezas de metal con la letra invertida y tallada en relieve. Estas piezas componían los textos que se imprimían en el papel con un golpe. Se trata de una técnica de impresión directa: la imprenta de los tipos móviles, creada por Johannes Gutenberg sobre 1450.

Tipos metálicos en distintos tamaños de la tipografía Futura

La impresión de textos de una forma mecánica tiene su origen en estos tipos móviles y supuso una revolución en el mundo editorial de la época.

Volviendo al término tipografía, cabe citar la definición del tipógrafo Stanley Morison, en su obra Principios fundamentales de la tipografía (1929):

Arte de disponer correctamente el material de imprimir, de acuerdo con un propósito específico: el de colocar las letras, repartir el espacio y organizar los tipos con vistas a prestar al lector la máxima ayuda para la comprensión del texto escrito verbalmente.

En términos precisos, en la actualidad se puede definir la tipografía como una disciplina del diseño gráfico que se ocupa de la maquetación de textos en la producción editorial. Pero también se llama tipografía al tipo de letra utilizado en un texto, acepción que, así mismo, define el término fuente: del francés fonte de fondre (=fundir), ya que se aplicaba al conjunto de tipos, de una misma familia, fundidos a la vez.

Por otra parte, se le llama familia al conjunto de caracteres que ha sido diseñado bajo los mismos criterios formales. Es una familia, por ejemplo, la tipografía Helvética en todas sus variantes o pesos:

La expresión familia tipográfica también responde a una clasificación de los tipos de letra en función de las características formales y cronológicas. Esta clasificación de familias tipográficas se estudiará más adelante.

Sabía que...

En relación con la invención de la imprenta de tipos móviles, se puede hacer referencia a un hecho muy curioso: en tan solo 50 años, es decir, sobre 1.500, se crearon en Europa unas 1.100 imprentas. La proliferación del arte de la imprenta fue paralela a una enorme producción de publicaciones que la misma imprenta hizo posible.

Terminología de los estilos de la letra

La tipografía ofrece distintos estilos según la variable que intervenga (entiéndase la barra “/” como “también llamada”):

Según el peso (el relleno):

Ultrafina / Ultraligth

Fina / Ligth

Redonda / Regular / Normal

Media / Medium

Negrita / Bold

Heavy

Negra / Black

Según el espaciado entre las letras:

Estrecha / Condensed

Redonda / Romana / Normal

Expandida / Expanded

Según la inclinación de sus ejes:

Oblicua

Itálica

Cursiva

Es muy común utilizar el término cursiva para los tres casos, pero es necesario conocer las diferencias que existen entre los tres estilos de letra.

Según el trazo:

Continuo

Discontinuo

Modular

Amorfo

Según el apoyo de la base:

Con serif / con gracias / con remates / con bastones... (Ejemplo en Times New Roman)

Sin serif / sin gracias / sin remates / sin bastones / de palo seco / lineales / grotescas... (Ejemplo: Helvética)

Nota

La letra inclinada hacia la derecha se denomina de tres formas: oblicua, itálica y cursiva, pero estos tres términos no son sinónimos. La letra oblicua es la letra regular inclinada, la itálica se construye con varios trazos y la cursiva se crea con un solo trazado.

Actividades

5.Nombre siete estilos de tipografía según el peso y tres tipos según la inclinación de sus ejes.

El color tipográfico

El color tipográfico (también llamado gris o mancha tipográfica) es la apariencia global de una tipografía. En esa visión de conjunto influyen variables como la estructura de la letra, las líneas de referencia sobre las que se crea esa estructura, el espaciado entre caracteres, el espaciado entre líneas y otras que se verán a continuación.

Lo primero que hay que conocer son las líneas de referencia de las letras. Sobre estas líneas se construye la apariencia final de una tipografía.

Atendiendo a su altura, se pueden distinguir tres tipos de letras: mayúsculas, minúsculas y versalitas. Las letras mayúsculas, también llamadas capitales o de caja alta, se construyen entre dos líneas paralelas: la línea de base y la altura de las mayúsculas. Las minúsculas, o de caja baja, están construidas sobre tres proporciones verticales: la altura de la x u ojo medio, la ascendente y la descendente. Por último, las versalitas son mayúsculas cuya altura se corresponde con el ojo medio de la letra o altura de la x.

Por otra parte, los caracteres numéricos pueden ser de dos tipos: alineados y no alineados. Los primeros se apoyan sobre la línea de base, mientras que los no alineados (también denominados náuticos o logarítmicos) superan esa línea.

El ojo medio, o altura de la x, de una tipografía es decisivo en el color tipográfico de un bloque de texto. En el siguiente ejemplo, ambos párrafos tienen el mismo cuerpo de texto (10 puntos) y el mismo interlineado (12 puntos). El primer bloque está escrito en “Times New Roman” y el segundo en “Lucida Sans”. Sus diferentes ojos medios hacen que un párrafo sea más largo que otro.

En la visualización de conjunto de una tipografía también influye el tracking (separación entre letras o interletrado), el kerning (espacio existente entre dos caracteres), el interlineado (espacio entre las líneas), la justificación del texto (en bandera a la izquierda, en bandera a la derecha, centrado o justificado) y la partición de palabras.

Consejo

El interlineado de un texto debe ser dos puntos superior al cuerpo de ese texto. Por ejemplo, si el texto tiene 12 puntos, el espacio entre líneas será de 14 puntos.

En cuanto a la justificación, es aconsejable utilizar el texto en bandera cuando se encuentra en columnas estrechas. Si ese texto se justifica, se producirán calles o lagos (espacios blancos entre las letras), provocando un color tipográfico poco armonioso.

Otra forma de evitar lagos en el texto es utilizando la partición de palabras. Para ello, hay que asegurarse de que en el programa está seleccionado el idioma español, si no las palabras se partirán de una forma caótica.

Morfología de la letra

La terminología de las partes que conforman la letra es bastante heterogénea, es decir, no existe un acuerdo común para nombrar cada segmento del carácter. La razón de esta disparidad se encuentra en los términos que se traducen directamente del inglés, en la denominación del español hispanoamericano y, en definitiva, en una falta de consenso para este propósito.

Actividades

6.Reflexione sobre los distintos elementos o recursos que influyen en el color tipográfico. Enumérelos.

Así pues, en la morfología de la letra existen unos atributos formales que son imprescindibles para una óptima construcción del carácter y otros que son opcionales. Los imprescindibles son los siguientes:

Asta, fuste o montante: trazo que define la estructura básica de la letra.

Brazo: trazo horizontal o diagonal que surge de un trazo vertical.

Descendente: parte de los caracteres de caja baja que supera por debajo el ojo medio.

Ascendente: parte de las letras de caja baja (minúsculas), que supera por arriba el ojo medio.

Cruz o travesaño: línea horizontal que cruza por algún punto el trazo principal.

Filete o perfil: línea horizontal entre verticales, diagonales o curvas.

Cola: prolongación inferior de algunos rasgos

Panza o bucle: trazo curvilíneo.

Hombro o arco: trazo curvo que sale del asta principal de algunas letras.

Doble arco: trazo curvo principal de la “s”.

Ojal: línea que forma la curvatura en la “g” minúscula.

Cuello: línea que une los ojales de la “g” minúscula.

En cuanto a los atributos formales opcionales, son los siguientes:

Lágrima, gota o botón: final de un trazo con forma redondeada

Remate, gracia, terminal, bastón o serif: breve trazo final que sirve de apoyo a cada letra.

Actividades

7.Haga una búsqueda en su entorno inmediato (libros, revistas, folletos, flyers publicitarios, calendarios, etc.), o bien en internet, de textos con diferentes tipos de remates.

6.2.Breve historia de la tipografía

Es necesario hacer un breve repaso histórico de la tipografía para comprender la terminología, los conceptos y los criterios de uso que, actualmente, se aplican en el tratamiento de los textos.

Aparte de las escrituras figurativas, basadas en pictogramas o ideogramas, la primera escritura fonética fue desarrollada por los fenicios alrededor del año 1800 a. C. Identificaron veintidós sonidos clave y, a cada uno de ellos, le asignaron un símbolo.

Partiendo de este sistema fenicio, los griegos desarrollaron la primera escritura alfabética.

Signos fenicios
‘H	B	G	D	H	V	F	CH	TH
J	K	L	M	N	S	‘H	P	TS
Q	R	SCH	T

Alfabeto griego
A	B	G	D	E	F,V	Z	H,E	TH
I	K	L	M	N	KS	O	P
Q	R	S	T	U	PH	KH	PS	O

Los romanos, a su vez, adoptaron ese legado fenicio tamizado por los griegos y, hacia el s. I d. C., su alfabeto (del griego alpha, beta) o abecedario (del latín a, b, c), era casi idéntico al actual.

El alfabeto romano desarrolló, a partir de las inscripciones monumentales, tres tipos de grafías: la capital quadrata (o capital lapidaria elegante), la capital rústica (menos formal y de ejecución más rápida), y la cursiva (modalidad inclinada). El texto inscrito en la columna trajana (Roma, 110 d. C.) fue la base de la capital quadrata. Según José Mª Albert (2003):

Los romanos establecieron un canon de letra cuyos caracteres presentaban un pequeño pie al efecto de compensar, a los ojos del observador, el ensanchamiento de la parte central de los rasgos verticales y perfilar, de ese modo, una suerte de línea base imaginaria. Este tipo de letra, también llamada romana antigua, se inspiró en las inscripciones de la célebre columna Trajana levantada en Roma hacia el año 110 d. C.

Ese pequeño pie, precisamente, es el origen del serif, también llamado remate, bastón, gracia o serifa, frente a la tipografía de palo seco o lineal.

Importante

El nombre “capital” es tomado del latín caput-capitis (capita en plural), que significa cabeza, ya que estas grafías fueron usadas, posteriormente, en los encabezamientos de los libros o como iniciales de los capítulos. Precisamente, también es este el origen de la denominación de letra capitular.

Actividades

8.Investigue sobre la Columna Trajana. Preste atención a la historia narrada mediante imágenes esculpidas.

La capital quadrata se utilizó entre los siglos I y III, aunque no desapareció del todo, ya que siguió usándose en los códices de lujo hasta el siglo VI y para los títulos, o como letra capitular, hasta el siglo IX. La capital rústica tuvo su apogeo entre los siglos IV al VI. La cursiva se desarrolló a partir del siglo III y su uso llegó hasta el siglo VII.

La letra cursiva alternaba las mayúsculas con las minúsculas. Era la escritura de uso diario para los latinos. De hecho, el término cursiva procede del verbo latino currere, que significa correr.

Letra cursiva romana

Estas letras romanas se expandieron alimentadas por el auge del cristianismo. Como se apunta en la Guía completa de caligrafía, técnicas y materiales:

[El Cristianismo] se convirtió en religión oficial del Imperio Romano el año 313 d. de C. En Egipto, que era provincia romana desde el año 30 a. de C., la influencia cristiana cerró escuelas y templos, y provocó la caída final de la tradición jeroglífica. Mientras en otras partes la influencia del alfabeto fenicio daba lugar al desarrollo de las escrituras hebrea moderna y árabe, la actividad de los misioneros en el Imperio Romano difundió el Cristianismo por Europa y sentó las bases de la civilización occidental.

Hacia mediados del s. V, coincidiendo con la caída del Imperio Romano, se ponen en uso nuevos soportes de escritura y nuevas herramientas como la pluma de ave, que desplazó a la caña. El uso de estos nuevos instrumentos permitió una mayor velocidad en la elaboración de textos, lo que dio lugar a nuevos tipos de letra: la uncial y la semiuncial.

La letra uncial, que se utilizó desde mediados del s. V hasta el s. VIII, es grande y redondeada. Fue muy usada en escritos cristianos, encontrándose en gran número de manuscritos hasta el siglo VIII. A partir del siglo IX comienza a ser reservada para trabajos concretos y luego se utilizará solo como letra capitular, es decir, como escritura decorativa.

Sabía que...

El significado etimológico del término “uncial”, que se deriva de la palabra latina unciam, es onza (una pulgada), término que se aplicaba antiguamente a las letras de gran tamaño que aparecían en las inscripciones lapidarias. Precisamente, por ese gran tamaño, era lenta de escribir y ocupaba demasiado espacio.

A finales del siglo V, la letra uncial, de tamaño considerable y de lenta reproducción, dio paso a la semiuncial. Este estilo de grafía era mucho más artesano, es decir, las letras se salían de la línea y sus trazos ascendentes y descendentes eran muy pronunciados y, a veces, incluso, exagerados. Sin embargo, su cuerpo central era amplio y legible, a la vez que disminuía su altura. Se trata del inicio de la letra minúscula y de las ligaduras entre caracteres. Dada su rapidez de ejecución y su tamaño reducido, la letra semiuncial fue utilizada por los escribas para hacer anotaciones al margen en los manuscritos.

Letra semiuncial

La semiuncial fue utilizada en escritos cristianos hasta el siglo X, pero su forma irregular causaba muchos problemas a los amanuenses monásticos, que buscaban la perfección de los textos como camino timorato de complacer a Dios. Por esta razón, hubo muchas variantes de las letras unciales y semiunciales a lo largo y ancho de Europa. Cada copista moldeaba los trazos en función de la habilidad de sus dedos, de sus antecedentes históricos o de sus preferencias estéticas. Esta diversificación de la caligrafía dio lugar a las llamadas escrituras nacionales, y cada país estableció la suya: la merovingia (Francia), la visigoda (España), la germana (Alemania), la insular (Gran Bretaña) y la longobarda (Italia); todas llenas de ligaduras, con ascendentes y descendentes irregulares, muy farragosas y casi ilegibles.

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9.¿Cuándo y por qué surgieron los tipos de letras uncial y semiuncial? ¿Hasta cuándo perduraron estas grafías?

Por esta razón, a finales del siglo VIII, Carlomagno encargó a Alcuin de York la normalización de la escritura, dando lugar a un nueva letra: la minúscula carolingia (también llamada carolina y carlovingia).

Alcuin de York, aparte de dictar las normas para la uniformidad de la escritura, reelaboró algunos libros, salvándolos de los errores que habían cometido los amanuenses y, además, inventó señales de puntuación como la interrogación o la exclamación. La minúscula carolingia se utilizó como norma durante los siglos IX y X y sobrevivió hasta el siglo XII.

Letra carolingia

La causa de la progresiva desaparición de la minúscula carolingia fue la carestía del pergamino. La demanda de textos legales, educativos, administrativos, científicos, etc., hizo que cada vez se necesitaran más pergaminos y esto llevó consigo la condensación de los textos en un intento de ahorrar soporte de escritura. Esta letra comprimida y angulosa comenzó a ser producida en el siglo X y fue llamada letra gótica.

La Biblia de Gutenberg o la Biblia de las 42 líneas (porque cada una de las dos columnas de la página contiene 42 líneas de texto), fue el primer libro impreso en la imprenta de tipos móviles de Gutenberg (1450), y su composición se hizo con la variante gótica llamada textura.

Fragmento de la Biblia de Gutenberg

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10.Haga una búsqueda en internet de las distintas variantes de la letra gótica: la textura, la rotunda, la bastarda y la fracktur. Compruebe el distinto grado de condensación de cada estilo gótico y véase en qué zona de Europa surgió cada variante.

A mediados del siglo XV, Niccolo Niccoli creó la minúscula de Niccoli basándose en la cursiva gótica informal. Y es en esta tipografía del florentino Niccoli donde se encuentra el origen de la escritura cursiva que, en la actualidad, se utiliza.

Minúscula de Niccoli

Con la producción masiva de publicaciones, tras la invención de la imprenta, los editores se afanaban en singularizar su obra, para diferenciarse en ese nuevo mercado de la impresión que comenzaba a florecer. En este momento, pues, se puede hablar de tipografía con nombres propios.

Uno de estos maestros tipógrafos fue el francés Nicolas Jenson (1420).

Tipografía de Nicolas Jenson

Otro tipógrafo importantísimo en el Renacimiento fue el veneciano Aldus Manuzio (1449-1515). Fueron muchos los tipos que diseñó Aldus Manuzio pero el más representativo fue la tipografía cursiva o inclinada, llamada desde entonces genéricamente aldina o itálica. Otra grafía asociada a este maestro es la bembo (ya que fue utilizada en la obra de Pietro Bembo, De Aetna), diseñada por Francesco Griffo en el taller de Manuzio en 1495.

Y no se podría acabar el siglo XV sin hacer referencia al francés Claude Garamond (1490-1561), que creó la tipografía que lleva su nombre. Este tipo de letra fue digitalizada y en la actualidad es de uso frecuente en cualquier procesador de textos.

En general, el XVII fue un siglo de recreación y perfeccionamiento de la herencia que había dejado el Renacimiento. En el XVIII, sin embargo, se encuentran maestros tipógrafos cuyo legado aún hoy está vigente.

Uno de estos tipógrafos, Pierre Simon Fournier, publicó, en 1737, Manuel Typographique, en el que definió una unidad de medida estándar para los caracteres llamada duodecimal. Se basó en el tipo de letra más pequeño que se utilizaba normalmente en Francia, llamado nomparela (del francés non pareille, impar o desigual) y lo dividió en seis partes, a cada una de las cuales le dio el nombre de punto. Así, una nomparela medía seis puntos, y a la medida de doce puntos le dio el nombre de cícero.

Importante

El término “cícero” procede del tamaño de tipos que se empleó en la edición de la obra de Cicerón, De Oratore, que realizó el impresor Schöffer a finales del siglo XV. El cuerpo de esta obra era similar al tamaño de doce puntos.

Otro francés, François Ambroise Didot (1730-1804), se basó en las aportaciones incorporadas por Fournier e introdujo una nueva medida: el punto didot (equivalente a 0,376 milímetros). A partir de ese momento, con el sistema didot, se normalizó la unidad de medida tipográfica, que fue adoptada en todas las fundiciones del mundo, excepto en Inglaterra y Estados Unidos, donde el punto tipográfico está basado en la pulgada inglesa, cuya equivalencia con el sistema métrico es de 0,352 milímetros. Actualmente, la pulgada es la unidad de medida utilizada en estos países de habla inglesa.

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11.¿Qué otro nombre recibe la letra llamada “itálica”? ¿Quién la creó? ¿Qué otras tipografías diseñó este tipógrafo?

En Inglaterra, y siguiendo en el siglo XVIII, se puede citar a un tipógrafo fundamental: William Caslon (1692-1766), que se convirtió en el principal fundidor de tipos de Londres. En 1734 elabora su primer muestrario, que contiene 38 fuentes con titulares, romanas, cursivas, negras y material ornamental.

También en Inglaterra, John Baskerville (1706-1775) creó un tipo que lleva su nombre y se dedicó a la modernización de las herramientas con el objetivo de llegar a un resultado perfecto. Su obra maestra fue la impresión de la Biblia compuesta en tipos Baskerville.

En Italia, Giambattista Bodoni publica, en 1788, la obra más importante hasta el momento sobre tipografía: Manuale Tipografico, que supone el inicio de la tipografía moderna ya esbozada por Baskerville. Para Bodoni, la belleza de un texto reside en la letra y se asienta en los atributos de regularidad, limpieza, buen gusto y gracia.

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12.¿Qué diseñador hizo una gran aportación a la tipografía incorporando una nueva unidad de media? Explique en qué consistió dicha aportación.

El siglo XIX llega caracterizado por el avance tecnológico, que se tradujo en el desarrollo de los medios de producción y, por consiguiente, en la difusión masiva de libros y periódicos. Pero en este proceso de modernización técnica, el tipógrafo inglés William Morris (1834-1896), apuesta por la artesanía más purista. Es el fundador del movimiento Arts & Crafts (Artes y Oficios).

Morris creó un revival cultural en la Inglaterra victoriana, que se basaba en las artes y los oficios de la época medieval como paradigma de la primacía de la artesanía frente a la producción mecánica. Diseñó, entre otras, la tipografía Troy.

Esta actitud reaccionaria de William Morris venía, en cierta forma, empujada por las nuevas necesidades comerciales. Y es que los criterios de excelencia, en cuanto a las publicaciones, cambiaron de forma radical: ya no se valoraba, o al menos no en primer término, la calidad del papel, el cuidado en la impresión o la armonía tipográfica, sino que se buscaba la llamada de atención, la novedad y la rapidez en la ejecución del trabajo. Es el inicio, pues, de la impresión publicitaria.