Kitabı oxu: «Художники сквозь время»

От автора

Культурное наследие нашей страны включает в себя народные традиции, национальный язык и литературу, искусство и музыку, а также явления и факторы, влияющих на сохранение духовных ценностей России.

С юных лет, получая воспитание в детском саду, базовое образование в школе, молодое поколение отдаленных уголков нашей страны приобретает первичные знания о некоторых культурных аспектах своего Отечества, главными из которых являются национальный язык и литература.

Историческим событиям и национальным традициям посвящены уроки истории и обществознания. Музыку преподают несколько лет, курс который завершается в четвертом классе и, в основном, связан с приобретением навыков хорового пения либо умелого открывания рта на фоне голосистых одноклассников. Уроки изобразительного искусства сводятся к рисованию с натуры, и становятся настоящим мучительным испытанием для тех, у кого к рисованию нет никаких способностей.

После получения общего среднего образования, вчерашние выпускники становятся студентами средних и высших учебных заведений, получают профессию, и если не связывают свою судьбу с искусством то, как правило, не стремятся получить дополнительные знания о великих служителях муз, создавших фундамент культуры России.

Однако такая потребность может возникнуть спонтанно. Спусковым крючком для одних может стать первое посещение крупнейших федеральных музеев изобразительного искусства страны, другим достаточно осознания своей причастности к истории Родины. Однако, и тех и других ожидают препятствия на пути самообразования. Академические издания о великих творцах - художниках и музыкантах рассчитаны на узко профильных специалистов, а не широкий круг читателей. При отсутствии специальных навыков и знаний, «одолеть» такие тяжелые во всех смыслах, труды, под силу далеко не каждому соискателю собственных открытий.

Поиски нужной информации заканчиваются запросом в Интернете, ответы на которые быстро исчезают из памяти, оставляя смутное представление о достижениях великих мастеров.

В историко-библиографическом справочнике «Художники сквозь время» представлена информация о двадцати двух Великих художниках Отечества, живших и творивших с конца XVIII по начало XX века, чьи имена вписаны золотыми буквами в историю развития русской живописи, а их работы являются бесценным фондом культурного наследия нашей страны.

Основываясь на тридцати восьми источниках информации, я постаралась в простой и доступной форме рассказать о жизни великих творцов, а также, их самых известных и бессмертных полотен. Надеюсь, что книга украсит домашние библиотеки читателей и станет настольным пособием для всех начинающих и профессиональных любителей классической живописи России.

Обращаю внимание читателей, на то, что все даты, касающиеся биографии великих художников приведены по старому стилю.

Василий Андреевич Тропинин (19.03.1776–03.05.1857)

Автопортрет 1846 год

Третьяковская галерея

Василий Тропинин родился 19 марта 1776 года в селе Корпово Новгородской губернии в семье крепостного Андрея Ивановича, принадлежавшего графу Антону Сергеевичу Миниху. Отец Василия был старостой, а потом управляющим поместьем. За добросовестную и верную службу граф подарил Андрею Ивановичу вольную грамоту,

освободив от крепостной зависимости. Однако этот документ не распространялся на супругу и детей. Поэтому, когда дочка графа вышла замуж за военачальника Ираклия Ивановича Моркова, маленький Василий Тропинин вместе с поместьем, селом и другими крепостными крестьянами был передан в собственность зятя графа.

Несмотря на крестьянское происхождение, Василию было разрешено получить начальное образование в Новгородском народном училище. Способности Василия к рисованию были

замечены отцом и барином Морковым с детства, тем не менее, давать юноше профессиональное образование живописца они не собирались, поскольку считали это несерьезным занятием. Барин хотел, чтобы Василий стал кондитером, и отправил его на обучение в Санкт-Петербург.

В столице юноша жил под присмотром двоюродного брата барина – Алексея Ивановича Моркова. В свободное от основной учебы время Василий тайком посещал лекции в Императорской Академии художеств¹, где с упоением увлекся анатомией и копированием гравюр. Узнай о тайном увлечении Василия, его могли наказать за непослушание и вернуть в поместье. Однако картины юноши так впечатлили кузена барина, что он просил брата разрешить продолжить обучение Василия в Академии и сам оплатил все необходимые расходы.

В 1799 году Василий стал вольнослушателем Императорской Академии художеств, где изучал искусство в гипсовом и живописном классах. В 1804 году он принял участие в академической выставке, где представил свою работу «Мальчик, тоскующий об умершей птичке». Выставку посетила императрица Мария Федоровна (супруга Императора Александра I) и восхитилась полотном молодого студента. Работа была высоко оценена именитыми художниками и критиками. Орест Адамович Кипренский, который тоже был участником этой выставки, узнав, что Василий Тропинин являлся крепостным крестьянином, попросил президента Академии художеств – графа Александра Сергеевича Строганова похлопотать за талантливого ученика для получения вольной грамоты.

Однако, когда Морков узнал об интересе к его крестьянину высокопоставленных господ, он отозвал Василия из Петербурга в свое новое имение, которое находилось на Украине в селе Куковка Винницкой области, где Василий одновременно стал слугой, пастухом, архитектором и художником барина.

Вскоре Василий женился на Анне Ивановне Катиной. Она была моложе супруга на десять лет и была вольной селянкой. По закону того времени супруги должны были иметь равный статус, однако вместо свободы для своего крестьянина барин сделал крепостной жену Василия. Спустя год у пары родился сын Арсений, который так же стал собственностью Моркова. В селе Куковка Василий построил церковь и сам расписал ее. Он продолжал рисовать и в этот период сделал несколько копий работ известного голландского художника Рембрандта Харменса ван Рейна.

Когда началась Отечественная война в 1812 году², Морков был вызван в Москву, чтобы возглавить ополчение. Тропинина с семьей барин взял с собой. Пока барин защищал Отечество, его верный слуга обустраивал жизнь семьи хозяина в Москве. В его доме у Тропинина появилась своя мастерская, где он рисовал портреты Морковых, а после окончания войны – дворян, близких друзей и знакомых хозяйской семьи. Вскоре о творчестве живописца заговорила вся Москва.

В 1818 году Тропинин написал портрет Николая Михайловича Карамзина для типографии, где издавался очередной литературный труд историка. К моменту создания портрета Карамзиным было издано восемь томов из двенадцати «Истории государства Российского», он был официально назначен на должность историографа страны и являлся самым ярким представителем творческой элиты того времени.

На полотне Карамзин представлен крупным планом. Его взгляд полон решительности и достоинства. Приятные черты лица вызывают симпатию. Осанка и одежда по последнему писку моды, детально прописанная автором, выдает в Карамзине педантичность, собранность и вкус. Мягко прописанные детали портрета гармонично сочетаются с коричневато-зеленоватыми оттенками фона работы, акцентируя внимание на лице историка. Портретный образ полон романтической одухотворенности и вдохновения.

Картину гравировали, ею открыли новое собрание сочинений Николая Карамзина.

Работа была приобретена коллекционером Павлом Третьяковым³ у дочери купца Антона Адамовича Гизетти Евгении Антоновны Селивановской в 1880 году. В настоящее время работа хранится в Третьяковской галерее.

После московского пожара во время Отечественной войны 1812 года, уничтожившего три четверти деревянных построек города, древняя столица страны восстанавливалась более двадцати лет. Дворяне стали постепенно возрождать портретные галереи полотен, утраченных в огне. Тропинина стали приглашать в соседние дома, чтобы писать портреты именитых москвичей. Среди них встречались благородные люди, которые, узнав о крепостном статусе художника, требовали у Моркова дать Тропинину вольную грамоту.

Барин не спешил расстаться с Василием, но под давление общественного мнения 18 мая 1823 года вручил талантливому художнику вольную грамоту в качестве пасхального подарка. Так в сорок семь лет Тропинин стал свободным человеком, однако был вынужден остаться в поместье, поскольку его супруга и сын сохранили свой статус крепостных.

Морков предложил Тропинину со временем получить место в военном ведомстве, но Василий в сентябре того же года вернулся в Санкт-Петербург, чтобы приобрести звание художника.

В Императорскую Академию художеств он представил три работы, одна из которых была картина «Кружевница». На ней изображена миловидная девушка, которая занята кропотливым трудом, держа тонкую нить и палочку-коклюшку, создающую узоры на белом изделии. Молодая мастерица кокетливо смотрит на зрителя, но не прекращает трудиться. Поза молодой кружевницы, поворот головы, взгляд и нежная легкая улыбка выглядят абсолютно естественно. Сложно представить, что натурщица могла несколько часов сидеть в подобной позе. Скорее всего, художник написал этот портрет по памяти, когда однажды увидел прелестную девушку за рукоделием.

За это полотно и работы: портрет Егора Осиповича Скотникова и картину «Старик-нищий» автор получил звание «назначенного академика».

Оригинал «Кружевницы» хранится в Третьяковской галерее⁴, варианты – повторения – в Нижегородском государственном художественном музее, Саратовском государственном художественном музее имени А.Н. Радищева, музее В.А. Тропинина и московских художников его времени.

Для получения звания действительного академика портретной живописи Василий успешно прошел экзамен в Академии художеств, где весной 1824 года написал портрет профессора-медальера монетного двора, академика Императорской академии художеств Карла Александровича Леберехта.

Морков несколько раз пытался вернуть Тропинина в имение и предлагал устроить его на преподавательскую должность, но Василий переехал в Москву, где продолжил писать портреты московских дворян.

В 1827 году Василий Андреевич написал портрет поэта Александра Сергеевича Пушкина по заказу его друга Сергея Александровича Соболевского.

Для написания портрета живописец и поэт встретились только один раз в мастерской Тропинина. Все детали одежды и выразительные черты лица Пушкина художник отразил по памяти. На портрете автор изобразил поэта в домашней спокойной обстановке. Работа понравилась заказчику, современники отмечали поразительное сходство изображенного на портрете поэта с живым Пушкиным.

Перед длительной командировкой за границу Соболевский оставил полотно у друзей на сохранение, однако, вернувшись в Россию, обнаружил копию любимого портрета. Судьба оригинал была неизвестна до середины 1850-х годов. Портрет обнаружили в антикварной лавке. Он был приобретен директором Московского архива Министерства иностранных дел Михаилом Андреевичем Оболенским. В 1909 году полотно было передано в Государственную Третьяковскую галерею наследниками Оболенского, откуда после экспонирования появилось на Всероссийской Пушкинской выставке в Москве, а в 1937 году поступило в фонды Всероссийского музея Пушкина, где хранится до сих пор.

Вместе с работой Ореста Кипренского это полотно является одним из двух наиболее известных портретов великого поэта.

Год спустя Морков освободил супругу художника и его сына от крепостной зависимости и вручил им вольные грамоты. Семья Тропининых окончательно поселилась в Москве.

В 1833 году Василий Андреевич стал преподавателем публичного художественного класса, созданного в Москве для обучения живописи представителей малоимущих сословий: небогатых мещан и крестьян (впоследствии Московское училище живописи, ваяния и зодчества⁵). В 1843 году Тропинин стал почетным членом Московского художественного общества.

В 1846 году Василий Андреевич завершил работу над автопортретом на фоне окна с видом на Кремль. Он был написан в мастерской автора, расположенной на улице Ленивка, недалеко от Большого Каменного моста. Тропинин изобразил себя крупным планом в рабочем костюме. В его правой руке находится муштабель⁶, в левой – кисти и развернутая в сторону зрителя палитра. На фоне полотна изображен старинный ансамбль Кремля. Виднеющиеся за окном стены, башни, купола церквей, озаренные нежным теплым светом приближающегося вечера, написаны автором с любовью к Москве, городу, который сделал Тропинина поистине знаменитым портретистом.

Полотно находилось в частной коллекции московского предпринимателя, коммерции советника, текстильного фабриканта и крупного книгоиздателя Козьмы Терентьевича Солдатёнкова. В 1925 году полотно поступило в фонды Третьяковской галерее, где хранится до сих пор.

В Москве Тропинин продолжал писать портреты московских дворян, но позже создал серию работ, посвященных людям из низших слоев общества. На полотнах он изображал нищих, куртизанок, отставных солдат-ветеранов, стариков и старух.

Смерть горячо любимой супруги Анны Ивановны в 1855 году, с которой они вместе прожили пятьдесят лет, стала настоящим ударом для художника. Он забросил живопись и переехал в другой район Москвы. Художника не стало спустя два года после смерти жены. Он умер 3 мая 1857 года в возрасте восьмидесяти одного года. Василия Андреевича Тропинина похоронили на Ваганьковском кладбище города Москвы.

В 1969 году в историческом районе Замоскворечье, между улицами Большая Ордынка и Полянка в Москве был основан музей Василия Тропинина и московских художников его времени (Щетининский переулок, 10, стр. 1). Открытие музея как филиала Останкинского дворца-музея творчества крепостных состоялось 11 февраля 1971 года, а после 1991 года он стал функционировать как независимое учреждение.

Владельцами усадьбы, ставшей впоследствии музеем, с 1885 года являлась купеческая семья Петуховых, вхожая в творческие круги Москвы. После революции 1917 года советские власти оставили дом в собственности семьи за заслуги перед Отечеством. После смерти Николая Петухова усадьба и более двухсот полотен частной коллекции семьи по завещанию были переданы в дар Феликсу Вишневскому (потомку крупного рода московских купцов и русско-польских дворян, последнему председателю Московского художественного общества и коллекционеру), который подарил бесценное наследство государству и стал основателем музея.

Помимо многочисленных работ Василия Тропинина в коллекцию музея вошли работы Ивана Айвазовского, Александра Бенуа, Виктора Васнецова, Исаака Левитана, Константина Коровина и Василия Поленова.

Мальчик, тоскующий об умершей птичке 1804 года (повторение 1829 года), Ивановский государственный художественный музей

портрет Николая Карамзина, 1818 год, Третьяковская галерея

Кружевница, 1823 год, Третьяковская галерея

Портрет А.С. Пушкина, 1827 год, Всероссийский музей А.С. Пушкина

Орест Адамович Кипренский (13.03.1782 – 12.10.1836)

Кипренский Автопортрет, 1828 год,

Третьяковская галерея

Орест Кипренский родился 13 марта 1782 года в усадьбе Нежинское Ораниенбаумского уезда под Петербургом. По бумагам его родителями считались крепостные Адам Швальбе и Анна Гаврилова. Но на самом деле Кипренский был внебрачным сыном помещика Алексея Дьяконова.

Получив вольную в 1788 году, мальчик был зачислен в Воспитательное училище при Петербургской Академии художеств с фамилией Копорский (по названию ближайшей крепости Копорье, где родился Орест). В возрасте 15 лет в 1797 году Орест стал студентом Императорской Академии художеств, где получил более звучную фамилию – Кипренский.

Он обучался в классе исторической живописи у портретиста Георгия Угрюмова и мастера декоративной живописи Габриэля Франсуа Дуайена.

В 1803 году Кипренский окончил Императорскую Академию художеств, однако конкурс на пенсионерскую поездку⁷ не выиграл. С разрешения директора Академии и покровителя художника Алексея Строганова он остался в учебном заведении еще на три года. В 1804 году художник представил на выставке в Императорской Академии художеств свой первый портрет, на котором изобразил отчима Абрама Швальбе. Портрет Кипренский выполнил в темно-золотистых тонах, выделил светом лицо с белым шейным платком, а детали одежды погрузил в тень. Глядя на портрет, практически невозможно определить круг, к которому принадлежал мужчина. Работа была выполнена в стиле творчества Рембрандта и фламандского портрета XVII века, что характерно и для западноевропейских художников-романтиков, и стала любимой работой автора. В настоящее время картина хранится и экспонируется в Русском музее⁸.

Два года спустя Орест принял участие в борьбе за Большую золотую медаль и стал обладателем вожделенной награды. Однако путешествие в Италию было отложено на несколько лет в связи Наполеоновскими войнами⁹, которые шли в Европе.

В Санкт-Петербурге полным ходом началось строительство Казанского собора, который по плану архитекторов должны были украсить живописные росписи и скульптуры. Для их создания пригласили самых талантливых учеников Императорской Академии художеств, в том числе и Кипренского. К 1809 году Орест закончил работу над «Богоматерью с младенцем», ставшей одним из немногих иконописных работ автора.

В начале XIX века у публики большим спросом пользовались портреты: их заказывали не только вельможи и государственные деятели, но и состоятельные купцы и чиновники. У Кипренского было много заказов, одним из них стал портрет Ивана Кусова, известного торгового деятеля, владевшего заводами в Петербурге. Однако настоящую славу художнику принес портрет юного Александра Челищева, в будущем героя Отечественной войны 1812 года. Кипренский создал полотно в духе романтизма. На картине 1809 года он изобразил мальчика, почти еще ребенка, с большими внимательными глазами. Цветовая гамма работы сдержана, но выразительна за счет яркого центрального акцента – алого жилета мальчика. Его темно-синий сюртук создает красивый контраст сочному и броскому цвету, а яркие тона бросают розоватые блики на его еще по-детски гладкие и нежные щеки. Хороший цвет лица ребенка из высшего общества оттеняет сахарная белизна воротничка рубашки, почти скрытого высоким воротом верхней одежды. Привлекает внимание и прическа – это типичная мужская укладка, модная в те романтические времена. В настоящее время картина хранится и экспонируется в Третьяковской галерее.

В этом же году Орест Кипренский отправился в творческую командировку из Петербурга в Москву, где написал портрет лейб-гусарского полка полковника Евграфа Владимировича Давыдова. Почти полтора века считалось, что на холсте был изображен двоюродный брат Евграфа – Денис Давыдов, знаменитый поэт-гусар и партизан. Путаница произошла из-за неверной расшифровки подписи самого Кипренского. Давыдовы были известной дворянской фамилией. Кроме Евграфа, Кипренский писал портреты Василия и Алексея Давыдовых.

На картине Давыдов изображен стоящим в небрежно-свободной позе, гордо подбоченясь, с рукой, положенной на эфес сабли. Одухотворенность мужественного и одновременно мечтательного воина усилена романтической атмосферой полумрака, пронизанного скользящими пятнами света. Яркие и нарядные цветовые сочетания придают портрету парадность. Всё это вместе создает образ, полный энергии и внутреннего достоинства. В настоящее время картина хранится и экспонируется в Русском музее.

За этот и другие портреты в 1812 году Кипренский получил звание академика.

В мае 1816 года Орест Кипренский отправился в путешествие за границу – о нём художник мечтал больше десяти лет. Первой Кипренский посетил Германию, а после побывал в Италии, где представители Флорентийской академии обратились к художнику с просьбой написать для галереи Уффици автопортрет.

В этом старейшем европейском музее хранились изображения знаменитых живописцев разных эпох. Оставить свой портрет в этой галерее – значило обрести мировое признание. До Ореста Кипренского ни один из русских мастеров такой чести не удостаивался.

Во время нахождения в Италии художник искал натурщиц для своих работ и встретил Анну-Марию Фалькуччи. Восьмилетняя девочка была практически беспризорной. Её мать вела беспорядочный образ жизни и не следила за ребёнком. Орест Адамович сжалился над девочкой, приютил её, а матери ежемесячно выплачивал деньги. Анна-Мария стала натурщицей для картины «Девочка в маковом венке с гвоздикой в руке», известной также под названием «Портрет Мариуччи».

Позже художник нашел натурщицу, ставшую впоследствии его любовницей. Но вскоре её труп нашли в мастерской живописца. Женщину обвернули в холст, облили скипидаром и сожгли заживо. Через несколько дней в городской больнице «Санта-Спирито» умер от неизвестной болезни слуга Кипренского, молодой и дерзкий итальянец.

Художник утверждал, что натурщица была убита слугой. Но римские обыватели говорили, что бедную женщину убил сам Кипренский. Когда он выходил на улицу, мальчишки швыряли в него камнями из-за оград и свистели, а соседи – ремесленники и торговцы – грозили убить. Кипренский не выдержал травли и бежал из Рима в Париж, а затем вернулся в Россию. Перед возвращением на родину Орест успел позаботиться о своей подопечной Анне-Марии, определив её в пансион. Взять девочку с собой в Россию художнику запретили итальянские власти.

Императорская Академия художеств встретила своего выходца прохладно: слишком долгим было его отсутствие. Заметно поостыла и публика, некогда боготворившая гениального портретиста. Вскоре в Россию просочились слухи об итальянском происшествии, связанном с убитой натурщицей. Кипренского стали игнорировать многие знатные дома. Императорская Академия художеств отказала в официальной должности.

Со временем о трагедии в Италии забыли. Кипренский стал снова получать заказы на портреты. В 1827 году он написал портрет Александра Пушкина, который стал самым известным и распространенным изображением поэта. Заказчиком полотна был барон Антон Антонович Дельвиг, близкий друг Пушкина еще со времен учебы в Царскосельском лицее.

На полотне Пушкин представлен по пояс с повернутой налево головой и скрещенными на груди руками. На правое плечо поэта накинут клетчатый шотландский плед экосез – натуральный шотландский килт. Этой деталью художник обозначил связь Пушкина с Байроном, английским поэтом родом из Шотландии, который был кумиром романтизма.

Портрет экспонировался на выставке 1827 года в залах Императорской Академии художеств и получил множество восторженных отзывов. Пушкин очень дорожил полотном Кипренского и в 1831 году выкупил его у вдовы Дельвига. В 1916 году Совет Третьяковской галереи приобрел это произведение у внука поэта.

В 1828 году Кипренский принял решение покинуть страну и окончательно поселиться в любимой Италии. Однако к тому времени в Европу переехало немало талантливых портретистов, которые составили прославленному мэтру серьезную конкуренцию. Орест продолжал усердно трудиться, но его карьера неуклонно шла на спад.

Спустя несколько лет художник разыскал Анну-Марию, ту самую, что запечатлена на картине «Портрет Мариуччи» и которой уже исполнилось 25 лет. Из маленькой девочки она превратилась в прекрасную девушку и мгновенно очаровала художника. Он был старше Марии на 30 лет, но это его не смутило. Ради брака с возлюбленной Орест принял католичество, и вскоре пара обвенчалась. Однако счастья в этом браке не было. Мариучча не любила своего благодетеля, а Кипренский много пил. Супружеская жизнь их продлилась недолго: через три месяца после свадьбы художник заболел воспалением легких, от которого скончался 12 октября 1836 года, не успев закончить картину «Ангел-хранитель», для которой позировала молодая супруга.

Художника похоронили в Римском католическом храме Сант Андреа Делле Фратте.

Сразу после его смерти Мариучча продала Императорской Академии художеств все картины покойного мужа, включая свой детский портрет с венком. Еще через несколько месяцев она родила дочь Клотильду.

Императорская Академия художеств выплачивала ей небольшую пенсию, но Мариучча быстро снова вышла замуж и оборвала все связи с соотечественниками художника.

В России памятник великому художнику был установлен на его родине, в маленькой деревушке Нежново Кингисеппского района Ленинградской области и открыт в марте 2017 года.

Портрет отчима Адама Швальбе, 1804 год, Русский музей

Богоматерь с младенцем, 1809 год, Русский музей

Портрет Александра Челищева, 1809 год, Третьяковская галарея

Портрет полковника лейб-гусарского полка полковника Евграфа Владимировича Давыдова, 1809 год, Русский музей

Девочка в маковом венке и гвоздикой в руках, 1819 год, Третьяковская галерея

Портрет Пушкина, 1827 год, Третьяковская галерея

Карл Павлович Брюллов (12.12.1799 – 11.06.1852)

Автопортрет Карла Брюллова, 1848 год,

Русский музей

Карл Брюлло родился в Санкт-Петербурге 12 декабря 1799 года в семье художника французского происхождения Пауля Георга Брюлло. Приехав в Россию, отец Пауль сменил имя на Павла, но оставил французскую фамилию. Сам же Карл Брюлло изменил фамилию на Брюллов в юношестве, перед своим отъездом в Италию. Творческая судьба маленького Карла была предопределена с раннего детства. Его отец был известным живописцем, преподавал в Императорской Академии художеств. Там же обучались братья будущего гения.

В детстве Карл много болел и до семи лет практически не вставал с кровати, но отец заставлял его рисовать наравне с другими детьми. Если мальчик по какой-то причине не мог или не успевал сделать задание по рисунку, его могли оставить без еды. Однажды отец так сильно ударил его, что Брюллов оглох на одно ухо.

В октябре 1809 года мальчик был зачислен на казенное содержание в Императорскую Академию художеств в Петербурге, где проучился до 1821 года. Карл быстро зарекомендовал себя блестящим, разносторонне одаренным учеником, легко справлялся со всеми учебными заданиями, благодаря чему снискал всеобщую любовь. В старших классах юноша часто помогал своим однокурсникам, за небольшую плату правя их экзаменационные работы. В дальнейшем Карл получил золотую медаль по классу исторической живописи, вступил в Императорское Общество поощрения художников¹⁰ и получил право на заграничную поездку.

После окончания Императорской Академии художеств Брюллов со своим братом Александром отправился путешествовать в Италию. В 1823 году он написал портрет молодой девушки «Итальянское утро», в котором прослеживаются характерные для классицизма правильные пропорции и черты лица. Изображенная юная леди – само совершенство с красивым лицом и мягкими очертаниями тела. Но уже в этой картине есть и черты романтизма, так как художник изображает женщину как бы в моменте, за умыванием, а не позирующей для мастера. И в этой естественности и мягком освещении девушка особенно прекрасна, что передается и зрителям, увидевшим её, с картины.

Это полотно принесло Брюллову известность в Италии и России. Общество поощрения художников подарило картину супруге Николая I, Александре Федоровне. Император настолько впечатлился подарком, что пожаловал художнику бриллиантовый перстень и заказал парную картину. Именно так появилось известное полотно «Итальянский полдень».

Как и в первом произведении, художник большое внимание уделил цвету, всякий раз работая в полуденное время. И вновь ему удалось передать очарование и живость прекрасной девушки, наполненной такой же жизненной силой, что и гроздь винограда, которую она срывает.

Но к большому разочарованию художника после демонстрации картины на выставке общество обрушилось на него с критикой. Основная претензия заключалась в том, что Брюллов посмел выбрать в модели простую девушку с пышными формами и далекими от эталонов красоты чертами лица. Лишь те, кто сумел пройти сквозь предрассудки академических норм, по достоинству оценили красоту замысла и мастерство исполнения сюжета.

В ответ на обвинения художник ответил, что в жизни нам могут нравиться люди, далекие от канонов красоты. Оскорбленный нападками академистов, художник через несколько лет создал еще одну версию этой картины. Не согласившись расстаться с пышными формами девушки, он всё же изобразил на холсте более красивое лицо с точки зрения представлений тех времен. Девушка получилась более утонченной, но от её задора и естественности не осталось и следа. Раздосадованный Брюллов в конечном итоге разорвал связи с Императорским Обществом поощрения художников. Несмотря на неприятие обществом, картина сегодня считается одним из прекрасных образцов классической живописи и находится в Русском музее. Уменьшенная же авторская копия с более аристократичной девушкой занимает не менее почетное место в Третьяковской галерее.

Впоследствии художник побывал во многих городах Европы, но до 1833 года жил Италии. Именно там он отточил свой стиль и состоялся как мастер.

К числу самых известных картин Карла Брюллова относится грандиозное произведение «Последний день Помпеи», написанное художником в 1833 году, посмотреть на которое еще в год создания приходили толпы народа. Идея описать гибель древнеримского города пришла художнику после того, как он оказался на раскопках Помпеи. Будучи сторонником классической школы, Брюллов тем не менее совершил небывалый для своих времен поступок. Он показал в жанре исторической живописи трагическое событие, переживаемое народом, в то время как в этом жанре было принято воспевать конкретных героев. Картина столь захватила внимание зрителей, что еще до представления на выставках толпы народа шли в мастерскую художника в Риме для знакомства с полотном. О ней восторженно писали критики, её воспевали в стихах поэты, а позже полотно было подарено императору Николаю I и помещено вначале в Эрмитаж¹¹, а затем в Русский музей.

При посещении раскопок богатое воображение Брюллова переносило его в те давние времена, когда жители древнего города Помпеи пострадали от извержения вулкана Везувия. Он живо видел картины исчезновения роскошного города под огненной лавой и грудой камней и был глубоко поражен этими образами. Но не только воображение помогало художнику писать знаменитую картину. Он тщательно изучал и исторические документы, описывающие разрушение города, что помогло ему точно передать переживаемый людьми ужас и смятение. Шесть лет кропотливого труда ушло у автора на проработку большого количества персонажей и изображения той атмосферы, которую он хотел передать. Картина получилась огромной и имела габариты около 6,5 м в длину и более 4,5 м в высоту.

Пока Брюллов работал над масштабным полотном «Последний день Помпеи», в этот же период он занимался и другими картинами. Одной из них стал портрет «Всадница», созданный по заказу графини Юлии Самойловой. Работа также проходила в Италии и была завершена в 1832 году, то есть за год до представления публике упомянутого выше шедевра. В ней художник раскрыл еще одну свою грань – талант романтика. Работая над портретами, он сосредотачивался не столько на сходстве, сколько на передаче внутреннего мира своего персонажа. И это отлично ему удалось как раз в картине «Всадница».

Графиня Самойлова была возлюбленной Брюллова, и он хорошо знал её увлечения, характер и манеры. Долгое время эксперты считали, что именно её он запечатлел на картине «Всадница» как и, например, в работе «Портрет Ю. П. Самойловой с Джованиной Пачини и арапчонком», а также множестве других изображений графини. Тем более что даже на ошейнике собаки зритель видит надпись «Samoylo…». Однако есть и другие версии. Одни считают, что главными героями картины являются воспитанницы Самойловой, другие, что там изображена испанская певица Мария Малибран. Сторонники каждой версии опираются на рисунки, этюды, записки, другие картины художника, Но единого мнения до сих пор не существует.

«Всадницу» тепло и восторженно встретили на выставке в Императорской Академии изящных искусств Брера. Даже противники академической живописи отмечали, что это выдающаяся работа. Брюллова сравнивали со знаменитым Питером Паулем Рубенсом, а позже назвали автором романтического портрета. После создания полотно отправилось к заказчику, то есть к Юлии Самойловой. Какое-то время картина украшала виллу графини в Милане, а после её разорения в 1870-х годах оказалась в числе вещей, выставленных на продажу. После долгих путешествий по частным коллекциям и обществам в 1893 году «Всадница» была выкуплена Павлом Третьяковым. Сегодня она экспонируется в Третьяковской галерее.

С 1836 по 1849 год Брюллов жил и работал в Петербурге. Сразу после возвращения в столицу ему было присвоено звание младшего (второй степени) профессора Академии художеств, поручено руководство историческим классом Императорской Академии художеств и предложено написать большую картину на тему из русской истории для получения звания старшего профессора.

В 1843 году Брюллов в числе лучших живописцев академической школы получил приглашение участвовать в росписи Исаакиевского собора¹². Ему было предложено расписать плафон большого купола фигурами апостолов, евангелистов и серией картин на тему «Страсти Христовы». Художник с большим интересом приступил к работе над эскизами. К 1848 году они были завершены, и Брюллов приступил к самой живописи. Однако тяжелая работа в сыром недостроенном соборе подорвала и без того слабое здоровье живописца, дав осложнения на сердце и обострив ревматизм, поэтому уже в феврале художник просил об освобождении от работ. Его просьба была удовлетворена. К этому времени он уже написал почти все основные фигуры плафона, так оставалось только дописать фон и создать несколько картин для оформления центрального пространства храма по картонам Брюллова.

Личная жизнь художника сложилась не вполне удачно. Главной страстью и музой мастера была графиня Юлия Павловна Самойлова, прожившая долгую и насыщенную жизнь. Она была молода, богата, взбалмошна и невероятно красива. О её личной жизни ходило множество слухов в светском обществе, которые, казалось, совсем не заботили юную похитительницу мужских сердец.

Юлия Павловна была фрейлиной при дворе, пока не вышла в 1825 году замуж за графа Николая Александровича Самойлова, флигель-адъютанта императора. Их брак не был удачным и спустя два года супруги по взаимному согласию разошлись.

Брюллов и Самойлова познакомились в Италии приблизительно в 1827 году. Она была страстной натурой, ей претили любые ограничения и запреты. Это и покорило художника, который восхитился не только её темпераментом, но и красотой.

В 1838 году Карл неожиданно влюбился и поспешно женился на 18-летней Эмилии Тимм, с которой спустя месяц после свадьбы порвал все отношения. Вероятно, причиной размолвки послужила неверность со стороны молодой жены. В это нелегкое для художника время его поддержала приехавшая из Италии в Петербург графиня Самойлова.

Однако они всё равно расстались. Юлия Павловна приняла такое решение в 1845 году. А через год выскочила замуж за красавца-тенора итальянца Пери, лишившись подданства Российской империи. Графиня была старше своего нового избранника на 20 лет. Прожила с ним Самойлова не больше года, а молодой супруг умер от чахотки.

Карл Павлович Брюллов скончался в 1852 году, в возрасте 52 лет в местечке Манциана под Римом, где лечился минеральными водами. По свидетельству русского представителя в Риме, смерть наступила через три часа после приступа удушья. Художник был похоронен на протестантском кладбище Монте Тестаччо, по лютеранскому обряду. Детей у художника не было.

Юлия Самойлова пережила Карла Брюллова на 23 года, потеряв к концу жизни практически всё своё состояние.

Итальянское утро, 1823 год, Художественная галерея Кунстхалле, Киль, Германия

Итальянский полдень, 1827 год, Русский музей

Итальянский полдень (авторское повторение), 1831 год, Третьяковская галерея

Всадница, 1832 год, Третьяковская галерея

Последний день Помпея, 1833 год, Русский музей

Александр Андреевич Иванов (16.07.1806 – 03.07.1858)

Портрет Александра Андреевича Иванова,

1873 год, С.П. Постников, Третьяковская галерея

Александр Иванов родился 16 июля 1806 года в Санкт-Петербурге. Его отец, Андрей Иванов, был живописцем, адъюнкт-профессором исторического класса Императорской Академии художеств. Он воспитывал сына как своего преемника и рассчитывал, что тот пойдет по его стопам. Начальное образование мальчик получал дома, уроки ему давали профессора Академии.

В одиннадцать лет юный Александр поступил «посторонним» учеником в Императорскую Академию художеств. Учился при поддержке Императорского Общества поощрения художников под руководством своего отца.

Получив за успехи в рисовании две серебряные медали, был награжден в 1824 году малой золотой медалью за написанную по программе картину «Приам испрашивает у Ахиллеса тело Гектора». В 1827 году получил большую золотую медаль и звание художника XIV класса за картину «Иосиф, толкующий сны заключенным с ним в темнице виночерпию и хлебодару». События из жизни Иосифа нередко привлекали внимание живописцев. Согласно святоотеческому толкованию Иосиф Прекрасный являлся прообразом Иисуса Христа.

Сюжет для картины был взят художником из Библии, из книги Бытия. Виночерпий и хлебодар были вельможами египетского фараона, заключенными в темницу, где томился Иосиф. Однажды они попросили его истолковать свои сны, и тот предсказал одному смерть, а второму свободу. На картине мы видим юного Иосифа в центре, а рядом с ним фигуры виночерпия и хлебодара. При внимательном рассмотрении можно увидеть, что лица узников похожи. Художник писал этих персонажей с одного натурщика, но сделал это не случайно, поскольку он хотел передать состояние одного человека, находящегося в унынии или надеющегося на спасение.

В этой работе Иванов раскрыл талант блестящего колориста. Сочетание ярко-красного и белого цвета вместе с приглушенными коричневато-серыми тонами придали контраст тепла и холода, света и тени.

Несмотря на высокую оценку произведения, в Императорской Академии художеств не утихали слухи, что картины Иванову помогал писать отец, именно поэтому полотна получались столь высокого художественного мастерства.

Общество поощрения художников решило отправить Александра Иванова за границу, однако до отъезда он должен был создать еще одну картину. Сюжет выбрали из греческой мифологии – «Беллерофонт отправляется в поход против Химеры». Друг Иванова Михаил Боткин предположил, что таким образом художника решили еще раз проверить, не помогал ли ему в работе отец.

Сюжетом для картины послужила древнегреческая легенда о подвиге сына коринфского царя Главка Беллерофонта. Находясь у царя Ликии Иобата, герой должен был исполнить его повеление и сразиться с трехглавой огнедышащей Химерой. Боги подарили ему крылатого коня Пегаса. Напав на Химеру с воздуха, воин уничтожил чудовище, опустошавшее страну.

На полотне автор изобразил момент прощания отправляющегося на подвиг Беллерофонта с царем Иобатом. Герой по академической традиции представлен обнаженным. Рядом чудный конь, полный готовности к полету. За ними видна летящая богиня Афина – покровительница воина. Слева за сидящим царем, отвернувшись от происходящего, стоит царевна Дилоноя – она горько переживала разлуку с любимым. В торжественной атмосфере картины звучала главная тема – прославление подвига идеального героя-воина.

Выполнив это требование, Иванов в 1830 году отправился в Европу, и через Германию, с остановкой на некоторое время в Дрездене, прибыл в Рим, где художник прожил 28 лет.

В Италии первые работы Иванова состояли в копировании «Сотворения человека» Микеланджело в Сикстинской капелле и в написании эскизов на разные библейские сюжеты. Усердно изучая Священное Писание, в особенности Новый Завет, Иванов всё более увлекался мыслью изобразить на большом полотне первое явление Мессии народу. Но прежде чем приступить к этой трудной задаче, хотел испробовать свои силы над менее масштабным произведением. С этой целью в 1834 году он написал «Явление Христа Марии Магдалине после воскресения».

На картине художник изобразил момент, когда Мария Магдалина узнала воскресшего Христа. Порывистое движение восхищенной Марии останавливается величественным жестом Христа, чья фигура напоминает совершенные пропорции и формы Аполлона Бельведерского. Острота трактовки сюжета состояла в немом диалоге двух фигур, в контрасте их пластики и динамики.

Наиболее выразительным необходимо было изобразить лицо Марии. В нём, по замыслу автора, должно было угадываться сложное эмоциональное состояние женщины: следы печали, удивление, даже испуг и слезы радости и восторга. Для достижения своей задачи художник предлагал натурщице припомнить все свои беды, затем, утешая, он смешил её и держал перед ней луковицу.

Когда картина была закончена, она с успехом экспонировалась сначала в Риме, а затем, в середине 1836 года, в Санкт-Петербурге. Общество поощрения художников преподнесло картину императору Николаю I, и она была помещена в Русскую галерею Эрмитажа. За полотно Иванову было выплачено 1 500 рублей серебром. В 1897 году картина была передана из Эрмитажа в Русский музей, где она и находится до сих пор. За неё Императорская Академия художеств присвоила Александру Иванову звание академика.

В Русском музее также хранится одноименный эскиз картины «Явление Христа Марии Магдалине после воскресения», ранее принадлежавший помощнику хранителя картинной галереи Императорского Эрмитажа Корицкому, а затем – художнику и коллекционеру Михаилу Боткину. Эскиз поступил в Русский музей в 1917 году из собрания Боткина.

Еще один одноименный эскиз картины был приобретен Павлом Третьяковым в 1877 году. В настоящее время он находится в Третьяковской галерее.

Успех этой картины позволил художнику продлить срок его пребывания в Италии, и она послужила важным подготовительным этапом на пути к созданию главного произведения его жизни – полотна «Явление Христа народу», над которым Иванов трудился двадцать лет.

Сюжет полотна размером 5,4 на 7,5 метров связан с событием, описанным в первой главе Евангелия от Иоанна – явлением Иисуса Христа во время крещения людей у реки Иордан. В центре композиции находится фигура Иоанна Крестителя (Предтечи), указывающего на приближающегося Христа. Содержание картины раскрывается не через образ Христа, а через реакцию людей на его появление.

На первом плане картины изображена группа людей, образы которых, по замыслу художника, воплощают всю гамму переживаний и отношение к проповеди Пророка. Они радуются, сомневаются, надеются на явление Спасителя. Особой находкой художника явился образ воспрявшего раба, ставший настоящим откровением в русской живописи. В библейской легенде художник увидел возможность выразить мечту о свободе.

В процессе создания картины были написаны многочисленные эскизы и этюды, ставшие для многих поколений художников единственной в своём роде школой живописного реалистического мастерства.

Весной 1857 года в мастерской Иванова побывали вдовствующая императрица Александра Федоровна и великая княгиня Ольга Николаевна, прибывшие в Рим. Они первыми посмотрели завершенную картину.

Осенью того же года Иванов показал картину великой княгине Елене Павловне (супруге Великого князя Михаила Павловича Романова – четвертого сына императора Павла I и Марии Федоровны), которая обещала всяческое содействие художнику и приняла на себя все расходы по перевозке полотна в Санкт-Петербург.

В январе 1858 года Александр Иванов еще раз организовал показ полотна «Явление Христа народу» в своей мастерской в Риме и спустя несколько месяцев вместе с полотном отправился в утомительное путешествие на Родину через Францию и Германию.

Иванов прибыл в Санкт-Петербург в мае 1958 года после 28 летнего отсутствия в России. Началась подготовка к демонстрации полотна в Императорской Академии художеств.

Несмотря на то, что многие отдавали должное мастерству художника, не все отзывы о полотне были однозначно положительными. В ожидании решения о дальнейшей судьбе картины Иванов заболел холерой и 3 июля 1958 года скончался. Через несколько часов после его смерти поступило известие о том, что император Александр II купил полотно за 15 тысяч рублей серебром, а также решил наградить художника орденом Святого Владимира.

Александра Андреевича Иванова похоронили на кладбище Воскресенского Новодевичьего монастыря в 1936 году. Останки и надгробие были перенесены в Александро-Невскую лавру на Тихвинское кладбище – Некрополь мастеров искусств.

В марте 1861 года полотно было отправлено в Москву для участия в выставке. В августе того же года вышел указ Александра II, в котором он сообщил, что передал картину в дар картинной галереи Московского Румянцевского музея. В 1924 году было принято решение о расформировании Румянцевского музея и передаче картин художников русской школы в Третьяковскую галерею. Однако «Явление Христа народу» было перемещено туда только в 1932 году, после завершения строительства пристройки со специальным залом, где хранится в настоящее время.

Малый вариант картины, служивший художнику эскизом, хранится в Русском музее.

Летом 1941 года, после начала Великой Отечественной войны, многие экспонаты из собрания Третьяковской галереи были эвакуированы в Новосибирск. «Явление Христа народу», свернутое на вал, не удалось поместить в товарный вагон, и его пришлось перевозить на двух открытых платформах, защитив сверху брезентом вместо папиросной бумаги и мягкой фланелевой ткани, предназначенной для защиты красочных слоев. Полотно хранилось в свернутом виде в недостроенном здании Новосибирского театра оперы и балета. Возвращено в Третьяковскую галерею в ноябре 1944 года.

Александр Андреевич никогда не был женат и после себя оставил лишь эскизы и работы. Однако в архивах сохранились сведения о том, что до отъезда в Италию он был влюблен в молоденькую дочь учителя музыки. По правилам обучения, женившись, Иванов автоматически терял право на командировку, поскольку женатые воспитанники Императорской Академии художеств за границу не отправлялись. Александр склонился к тому, чтобы положить к ногам невесты свою карьеру художника и мечты о блестящем будущем, но отец и друзья художника смогли убедить Александра не совершать этот безрассудный поступок. Он закончил работу над полотном «Беллерофонт отправляется в поход против Химеры» и отправился в Рим.

В 41 год Александр Андреевич встретил очаровательную соотечественницу, проживающую вместе с семьей в Италии. Он захотел сделать ей предложение руки и сердца, но любимая девушка неожиданно объявила, что выходила замуж за другого – молодого мужчину её круга. Это предательство подкосило Иванова. Он стал недоверчивым, мрачным и болезненным. В нём развилась мнительность, начались приступы тревоги и страха. Художник стал подозрительным, боялся быть отравленным, поэтому не принимал пищу в незнакомых местах, приятелей сторонился, вел замкнутый образ жизни и умер в одиночестве.

Беллерофонт отправляется в поход против Химеры, 1829 год, Русский музей

Иосиф, толкующий сны заключенным с ним в темнице виночерпию и хлебодару, 1827 год Русский музей

Явление Христа Марии Магдалине после воскресения, 1834 год, Русский музей

Явление Христа народу, 1837-1857 годы, Третьяковская галерея